lunes, 31 de mayo de 2010

Graffiti en la pantalla (también!)


Graffiti Analysis es una herramienta digital diseñada a la medida de los graffiteros creada por el artista Evan Roth. Esta aplicación crea visualizaciones del movimiento de la mano del artista –a menudo invisible– cuando está escribiendo un tag. Los datos del movimiento se registran, analizan y archivan en una base de datos libre y abierta que se encuentra en Internet, donde los creadores de graffitis pueden compartir representaciones analíticas de los estilos de su gesto. Influyentes artistas del graffiti como SEEN, TWIST, AMAZE, KETONE, JON ONE y KATSU han capturado su movimiento haciendo sus tags usando el software de Graffiti Analysis.
Todos los tags creados con esta herramienta se guardan como archivos Graffiti Markup Language (GML), un nuevo estándar digital que se utiliza por otras aplicaciones populares, tales como Laser Tag y EyeWriter.
Graffiti Analysis es un proyecto de código abierto que está disponible en línea de manera gratuita en OSX, Windows y Linux. De esta manera se invitan a los artistas del Graffiti a capturar y compartir sus propias creaciones y a los programadores para crear nuevas aplicaciones y visualizaciones de los datos resultantes.  El proyecto apunta a la construcción del mayor archivo del mundo en el campo del graffiti.
Últimamente, el artista Evan Roth ha dado un paso más allá y ha adaptado esta herramienta a los teléfonos celulares como el iPhone. Con un simple movimiento de los dedos, los usuarios pueden crear un graffiti en la pantalla y observar como sus diseños en 3D son modelados en el espacio.
La aplicación se sincroniza con el sitio web 000000book.com, carga el diseño y salva el tag con el código GML, que luego puede ser utilizado en otras aplicaciones. Esta forma de compartir al instante es algo intrínseco de Internet y ahora con los dispositivos móviles conectados se presenta la oportunidad de unirse a una gran comunidad global de usuarios.
Mira en este video todo lo que hace Graffiti Analysis.
Y ahora, ¿Qué pasará con la conquista del espacio y la emoción de lo clandestino en medio de la oscuridad de la noche?

domingo, 30 de mayo de 2010

Arte multimedia portátil: a cualquier hora, en cualquier lugar



Una de las características del Arte Contemporáneo es el abandono del concepto del artista solitario como creador de la obra de arte y la entronización del concepto de la participación interactiva del público en la creación artística. Este cambio se originó en las vanguardias de los años sesenta con el Happening, Fluxus, Beuys, Kaprow, Manzoni y otros. Hoy, con el avance y gran desarrollo de las últimas tecnologías informáticas, este concepto de interacción se potencializa expansivamente  produciendo una importante participación masiva.
En la actualidad, son muchos los artistas que se mueven en el campo de la creación artística utilizando tecnología multimediales electrónicas. Algunos de ellos están realizando proyectos interactivos basados en las pantallas táctiles de los dispositivos móviles como el celular iPhone y el iPad de Apple, con la ventaja de que el público puede interactuar con la obra artística en cualquier momento y en cualquier lugar.
Les presento algunos de los proyectos interactivos que se erigen en la vanguardia de la próxima generación del arte multimedia portátil que ya están circulando en el mundo digital del Arte Actual:
Amit Pitaru es un artista que trabaja con los medios electrónicos, vive en Brooklyn y es músico de formación clásica. Él utiliza el teléfono celular como un lienzo para crear dibujos rotativos en 3D, que generan sonido basado en la posición de las líneas en una escala flotante. Sonic Wire Sculptor se llama esta herramienta musical creada por el artista que ha mostrado en museos y galerías de todo el mundo. Introduce una conexión sencilla pero profunda entre la composición visual y de audio para convertir tu dibujo en 3D en sonido.
La aplicación es fácilmente captable e intuitiva, permitiendo que alguien sin conocimientos musicales o de dibujo pueda manipularla y explorarla. Al mismo tiempo, SWS se adentra y anima a músicos y artistas a explorar nuevas ideas en su oficio. http://sws.cc/
Exonemo (Sembo y Aikawa) son dos artistas japoneses que desde 1996 desarrollan obras para Internet. Algunas de estas obras proporcionan a los usuarios herramientas para que realicen pequeños actos de “terrorismo tecnológico”. En su obra Tormenta de fragmentos  examinan la avalancha de información disponible en Internet  vistos a través del lente de la cámara y mediante el uso de sonidos e imágenes en un contexto basado en el collage. Cuando se inicia, puede optar por crear un collage caótico de imágenes basadas en su ubicación actual, una búsqueda de la web, o imágenes de los artistas que se están escuchando en ese momento en el iPhone. El resultado es un video musical de expresión caótica que aplasta y descompone a un conjunto de fotos, páginas web y feeds de Twitter. http://vimeo.com/7241522
Abstrakt, creado por un equipo de estudiantes de la Escuela de Graduados de ENJMIN Juegos y Medios Interactivos en Francia, es una aplicación gratuita que permite la composición de música mediante la manipulación de elementos de pinturas inspiradas en los famosos artistas del siglo XX Paul Klee, Wassily Kandinsky y Piet Mondrian. Cada pintura se centra en una actividad específica, conectada a una noción de la composición pictórica. Por lo tanto, el usuario es consciente del ritmo, color y equilibrio en las pinturas. Un tema basado en un Mondrian, por ejemplo,  anima a los usuarios para aprovechar tocar las casillas de color de la pintura en la pantalla, que se convierten en relieve y una barra delgada pasa por encima de ellas. Cada vez que cruza la barra de un cuadrado de relieve, una tonalidad se ejecuta. Al seleccionar varias, el usuario puede crear un efecto instantáneo de secuencias que gana en intensidad con cada bloque resaltado.
Abstrakt es una experiencia lúdica que brinda la oportunidad de descubrir el arte abstracto de una manera única y original. Todas estas interacciones sirven al concepto principal de un arte accesible para todos. De pie como el pintor, el usuario se convierte en creador de una pintura aún por inventar. http://abstrakt.sota.fr/
Tale of Tales es un dúo conformado por los artistas Auriea Harvey y Michaël Samyn. Desde Belgica, donde viven y trabajan, han lanzado para el mundo su aplicación Vanitas. Es una simulación de una pequeña caja de madera que se abre con un golpe de dedo. Inspirándose en las pinturas de naturalezas muertas de los siglos XVI y XVII, Vanitas presenta un cuadro bellamente dibujado en 3D lleno de objetos interesantes, tales como un cráneo, pluma, flor, dados, plumas, espuma, libros, conchas de mar, y otros que existen como objetos pequeños de reflexión y recuerdos que normalmente se ocultan en un ático o en un viejo baúl. El usuario debe armar su propio cuadro y Vanitas, como si fuera un tesoro de objetos personales significativos, le estimula la emoción o la integridad de lo privado. Descrito por Tale of Tales como "un memento mori para sus manos digitales” Vanitas nos recuerda que todo fluye, nada permanece. ¡Vanidad de vanidades, todo es vanidad! http://tale-of-tales.com/Vanitas/

jueves, 27 de mayo de 2010

ROMA: El camino hacia el arte contemporáneo


Está abierta al público la segunda edición de la feria de arte contemporáneo Roma. The road to contemporary art, que  ha renegado de los recintos típicos feriales para ocupar algunos de los lugares más simbólicos de la capital italiana. Con la nueva sede de Macro Testaccio se acogió la feria en el espacio de más de 8.000 metros cuadrados, articulado en tres pabellones  donde se reúnen 67 galerías de italianos y extranjeros, seleccionados por el Comité Asesor de la Feria, formado por veintidós expertos internacionales: directores de galerías, coleccionistas y el arte historiadores. Al lado de la sección principal de la Feria, que incluye 50 galerías, se destaca un espacio reservado a 17 galerías emergentes, creadas después de 2006, que presentan un máximo de tres artistas cada una.
Misura Fuori (Fuera de alcance) es la tercera edición, de las muestras al "aire libre", realizadas en grandes e importantes espacios de la capital, donde se han presentado 18 obras de grandes dimensiones:  instalaciones, esculturas, proyecciones de vídeo y fotografías de afamados artistas representados por las galerías participantes.
Algo innovador de la feria es la activación de ROMA. RADIO. ART. FERIA., una plataforma web multimedia de experimentación multidisciplinar, que se ajustará a las actividades diarias hasta el 30 de mayo. La programación de ROMA. RADIO. ART. FAIR, por Ilari Valbonesi, incluye un amplio programa dedicado a las artes visuales y sonoras las 24 horas del día, que incluyen conciertos y eventos del programa, entrevistas a artistas, galerías y directores de museos, autor de guías de audio, selección de música y multiforme paisajes sonoros. www.romaradioartfair.it

martes, 25 de mayo de 2010

Kiki Smith: la peregrinación errante por la vida


En la galería Pace de Nueva York  se presenta la exposición Pilgrim de la consagrada artista Kiki Smith (Nuremberg, 1954). Se trata de una instalación compuesta por cerca de treinta paneles de vidrio pintados a mano que representan las distintas etapas de la vida de la mujer.
Fue originalmente inspirada por un bordado de seda del siglo XVIII titulado La Primera, Segunda y Última Escena de Mortalidad.  Peregrino es un viaje cíclico, que alude a diversos aspectos de la vida de una persona, presentado por las imágenes de mujer. Smith utilizó amigos y colegas como modelos que representan la peregrinación errante de una persona por la vida. Las representaciones del nacimiento, la pérdida y la muerte hablan de la experiencia humana. Peregrino, muestra mujeres que están sentadas, escuchan o son reflexivas.
Smith ha estado trabajando con el vidrio en los últimos veinte años y ha estado trabajando en Peregrino  en los últimos cinco años. La artista primero hizo dibujos collage, que luego se utilizaron como "dibujos animados" para la pintura sobre vidrio posterior. Smith comenzó las pinturas sobre cristal hace tres años en el afamado taller de vidrio alemán, Mayer'sche Hofkunstanstalt-Mayer Gmbh de Munich.
Los marcos de pie que sostienen los paneles individuales fueron diseñados por el arquitecto Bill Katz, que trabajo junto con la artista para crear un campo de imágenes, ancorado por tres bancos. Este diseño permite al visitante ver la escena tanto en el anverso como en el reverso.
Kiki Smith es una artista de fama internacional cuya carrera ha abarcado más de tres décadas. Es una figura prominente entre los artistas cuyas temáticas abordan lo filosófico, social y espiritual de la naturaleza humana. Desde 1982, su trabajo ha sido exhibido en exposiciones individuales en cerca de 150 museos y galerías de todo el mundo.
Para conocer más obras de Kiki Smith entra a esta página.

domingo, 23 de mayo de 2010

Paul McCarthy: La Isla de los cerdos


Una inmensa instalación titulada Pig Island, junto a una selección de trabajos fechados entre 1970 y 2010, del artista norteamericano Paul Mc Carthy (Salt Lake City, 1945) se exhiben hasta el próximo 4 de julio en el Palacio Citterio de Milán. La muestra organizada por  la Fondazione Nicola Trussardi se constituye en la primera individual de McCarthy en una institución italiana.
Los vídeos, performances, instalaciones y esculturas del artista norteamericano combinan referencias al glamour hollywoodiense y alusiones al lado oscuro del sueño americano –de Walt Disney a George W. Bush– y se sirven del cuerpo humano y de los tabúes establecidos en torno a él para crear un lenguaje único,  irreverente y satírico que mezcla arte pop, pesadillas infantiles, arquetipos universales subvertidos y macabros cuentos de hadas.
McCarthy expone por primera vez Pig Island, una de sus obras más complejas y ambiciosas. Se trata de una instalación gigante,  un microcosmos de 100 metros cuadrados de algunos de los temas que han ocupado su carrera: su obsesión por el cuerpo, la sexualidad y el poder. Alude a un parque de diversiones en el que los seres humanos parecen divertirse como cerdos, un naufragio escultórico, balsa de la medusa o isla del tesoro invertida, en la que piratas y héroes se lanzan al disfrute de fiestas salvajes sin inhibición ni medida para satisfacer su apetito por la violencia, el sexo y la comida rápida. Pig Island, una especie de Merzbau contemporánea, es fruto de siete años de trabajo y puede interpretarse también como un gigantesco autorretrato del autor.  
Completan la exposición piezas tan conocidas como Ketchup Sandwich (1970), Static (pink), (2004-2009), Dreaming (2005) o Paula Jones (2010). Esta muestra da continuidad a la iniciativa iniciada en 2003 por la Fondazione Trussardi para exhibir arte contemporáneo en espacios monumentales abandonados de la ciudad de Milán. Con anterioridad, participaron en este programa artistas tan importantes como Maurizio Cattelan, Urs Fischer, Fischli & Weiss, Tino Sehgal, Tacita Dean, entre otros.

sábado, 22 de mayo de 2010

Arte a la deriva en el Ártico


El artista holandés Ap Verheggen (La Haya, 1965) ha instalado dos grandes esculturas metálicas sobre un iceberg en Groenlandia para dar cuenta del cambio climático y que la gente pueda vigilar el bloque de hielo mientras se derrite en movimiento a lo largo del Ártico, a través GPS, fotos y vídeo en un sitio de Internet.
Verheggen dijo que construyó el proyecto titulado Dog Sled Riders, para denunciar el impacto de un clima más cálido sobre la tribu Inuit, cuyos integrantes luchan para moverse a lo largo del cada vez más delgado hielo.
"El mar no se congela. La gente ya no puede confiar en la naturaleza", sostuvo Verheggen antes de que las esculturas ondulantes de cinco metros fueran llevadas en helicóptero hasta el iceberg. "Como artista, veo como una especie de misión el hacer ver a la gente lo que está sucediendo allá", explicó.
En Uummannaq, un poblado Inuit de pescadores y cazadores ubicado en una isla del noroeste de Groenlandia, el mar no se congeló lo suficiente durante el invierno boreal para formar el grueso hielo necesario para viajar y cazar con trineos tirados por perros para su provisión de alimentos. En el invierno pasado, por primera vez, la caza no fue posible.
"Vemos que la cantidad de hielo marino está disminuyendo rápidamente", dijo Gert Polet, del grupo de conservación ecológica WWF, que ayudó a patrocinar el proyecto. "Muchos de los ecosistemas y muchos animales dependen del hielo marino para su supervivencia, así como la gente que vive en el Ártico", explicó Polet.
Ap Verheggen dijo que construyó dos esculturas para reflejar la tradición Inuit de siempre llevar un compañero en los viajes rumbo a lo desconocido. "Cuando los inuits viajan a un destino desconocido, siempre van de a dos. Quién sabe a dónde irá este iceberg y cuándo terminará este viaje, por lo pronto son dos".
Este viaje incierto puede seguirse en el sitio Web  www.coolemotion.org.

miércoles, 19 de mayo de 2010

Christian Boltanski, la memoria y la muerte


El artista francés Christian Boltanski ha creado una nueva obra monumental para el Park Avenue Armory’s de New York  y sus  5.000 metros cuadrados del Wade Thompson Drill Hall, llenando el espacio con miles de piezas de ropa usada y una banda sonora donde retumban fuertes latidos de corazón. La instalación No Man's Land es el proyecto más grande y ambicioso que Boltanski haya montado en los Estados Unidos,  que se convierte en un espectáculo poético que explora los conceptos de la identidad humana, la memoria y la muerte.
Nacido en 1944, Christian Boltanski ha establecido una reputación internacional desde la década de 1970, como un artista de primera línea en la vanguardia de la escena contemporánea. Abierta hasta el 13 de junio, esta exposición se constituye en el segundo proyecto en el programa anual del Park Avenue Armory’s, después de la muestra Anthropodino del brasilero Ernesto Neto el año pasado.
Al entrar en el Wade Thompson Drill Hall, los visitantes se enfrentan a una enorme pared de 20 metros de largo compuesta de 3.000 latas de galletas oxidadas que obstruye su visión del espacio y desvía su camino. Detrás de este muro aparece un paisaje fantasmal de ropa reciclada, organizada en 45 parcelas rectangulares que culminan en una montaña de ropa de 30 toneladas. Una grúa de cinco pisos con vidrios polarizados –para expresar el concepto ceguera– maniobra una mano mecánica que levanta ropa al azar para, acto seguido, dejarla caer nuevamente al montículo, invitando  a los espectadores a considerar el papel del azar y el destino de toda experiencia humana. Además de los ruidos mecánicos de la grúa, retumban en todo el espacio tenebroso los sonidos de miles de fuertes latidos del corazón humano.
Tierra de Nadie es una visión que recuerda las famosas ilustraciones del Infierno de Dante del  grabador Gustav Doré  y continúa la exploración de Boltanski sobre la capacidad de la humanidad para hacer el mal", dijo Tom Eccles, curador de la exposición.
Los visitantes de No Man's Land están invitados a contribuir con sus propios latidos del corazón al proyecto Les Archives du cœur de Christian Boltanski. Desde 2005, el artista ha estado coleccionando grabaciones de los latidos del corazón de todo el mundo, los que conservará para la posteridad en la lejana isla japonesa de Teshima.
No Man's Land es una obra hermana de Personnes, una instalación montada en el Grand Palais de París, que se mostró en enero de 2010 como parte de Monumenta. Ambas instalaciones recurren a  vocabulario y materiales comunes, sin embargo, se arrogan gran parte de su significado a partir de la arquitectura concreta donde se exponen y el contexto específico de la ciudad que las recibe.
Te invito para que en el siguiente video observes la monumental instalación Personnes en el Grand Palais de París y escuches al mismo artista explicar su obra.

sábado, 15 de mayo de 2010

Arte africano contemporáneo


Se inauguró la novena edición de la Bienal de Arte Africano Contemporáneo, Dak'Art, con la participación de  28 artistas de 16 países africanos. Este evento, que se llevará a cabo hasta el 7 de junio, se desarrolla en Dakar, capital de Senegal.
Según informó el secretario general del evento, Ousseynou Wade, este año se celebran los veinte años de la bienal y en esta edición se realiza bajo el lema "Retrospectiva-Perspectivas". La primera innovación es que "es la primera vez que el jurado está compuesto exclusivamente por africanos".
"La selección para la exposición internacional dio prioridad a artistas que nunca han participado en ediciones anteriores. Por otra parte, Dak'Art 2010 está definitivamente orientada a la creación contemporánea africana", dijo Wade, quien anunció la presencia de artistas haitianos como una de las novedades de la exposición.
Situada bajo el patrocinio del Ministerio de Cultura y Francofonía de la República de Senegal, la Bienal Dak'Art tiene como objetivos apoyar y fomentar la creatividad, la formación artística y la difusión del arte en África; promover a artistas africanos en la escena internacional; fomentar la inclusión del arte contemporáneo africano en el mercado de arte internacional y contribuir al desarrollo de la crítica de arte, impulsando la publicación sobre arte y artistas contemporáneos de África. Algunos de los artistas seleccionados son:
Daniel Halter. (Zimbabwe,1977). Ser un blanco de Zimbabwe que ahora vive en Sudáfrica le afecta en su práctica artística. “He crecido muy consciente de lo racial y estoy rodeado por las secuelas de una historia del racismo y la opresión violenta. Pero las cosas nunca son en blanco y negro, las cosas son más grises en la realidad. Blanco y Negro es simplemente una lista de todos los nombres de todas las fincas que fueron tomadas de los granjeros blancos en nombre de la redistribución. Esta lista apareció en la prensa para alertar a los agricultores sobre el destino de su granja”.
Mario Benjamín. (Port-au-Prince). A pesar de que él es un artista autodidacta, que comenzó su formación en Haití, no se considera –y no es– un pintor ingenuo, y él niega cualquier etiqueta folklórica o de actitud. Sus obras revelan un deseo de transmitir la idea de que cosas que parecen cumplir o asumir una forma de aceptación en realidad pueden ser muy diferentes. Otro aspecto relevante en piezas de arte de Benjamin es el uso de la luz. En sus instalaciones se presentan fuertes contrastes entre el brillo y la oscuridad. Se podría decir que prendieron fuego contra las superficies oscuras y lo negro adquiere una calidad fosforescente. La expresividad de la luz le agrega un acento a una visión enigmática y eufórica del mundo.
Mouna Jemal Siala. (París, 1973) Vive en Túnez. “Mi objetivo es convertir a los rituales diarios, las actividades más básicas, las de la gente común, en general, y la de una madre de trillizos como yo, en particular, en un proceso de creación plástico”.  Al explotar el potencial de la tecnología digital de la fotografía, Mouna Jmal crea mosaicos  y sus montajes fotográficos multiplican la diferencia de posturas y de forma de los personajes. En su obra Fate la combinación de imágenes de sus hijos trillizos, atrapados en las ventanas, se multiplica simétricamente dando lugar a una instalación que recuerda los barcos de la vieja y la nueva esclavitud.
Roger YAPI. (Costa de Marfil, 1973). Pintor que rompió con lo plano del lienzo y le reviste una tercera dimensión, donde las fisuras son a menudo tan importantes como el resultado total y la belleza de la obra. La dimensión trágica de los niños soldados no está ausente y su objetivo es llegar al corazón del hombre.

 Peterson Kamwathi. (Kenia, 1980). Combina elementos de diseño claro y ricos en contenido con la experiencia técnica en una amplia variedad de medios de comunicación. Su trabajo principal fue en la gráfica, pero recientemente ha creado dibujos de gran alcance al carboncillo sobre papeles mezclados. Su objetivo es representar y simbolizar a las diversas preocupaciones que tienen un impacto sobre él y al mundo en su conjunto,  como lo social, lo político o lo ambiental.  "En mi trabajo actual me estoy creando una serie de dibujos que representan las ‘colas’. Estos se obtienen de las imágenes y experiencias relacionadas con el proceso de votación, el proceso de migración y en los servicios tales como las operaciones bancarias”.

jueves, 13 de mayo de 2010

Arte que sobrevive en un mundo precario


En el día de ayer se inauguró la 17 Bienal de Sydney, que según David Elliott, su Director artístico, se constituye en una de las exposiciones más ambiciosas de su historia. Basado en la premisa curatorial de LA BELLEZA DE LA DISTANCIA: Canciones de la supervivencia en un mundo precario, la exposición presenta más de 440 obras de 166 artistas y colaboradores de 36 países, por lo que es la mayor exposición jamás organizada por la Bienal de Sydney en sus 37 años de historia.
Setenta artistas estrenarán nuevas obras hechas específicamente para la Bienal de Sydney, siendo 22 de ellos artistas australianos.
Describiendo la exposición como hermosa, desafiante y memorable, Elliott dijo: “La 17 Bienal de Sydney tiene como objetivo presentar las diversas culturas en un libre juego de igualdad en el arte contemporáneo, donde una cultura no puede asumir la superioridad sobre cualquier otra”.
Esta exposición ha sido diseñada con la intención de posicionar a Sydney como una ciudad moderna icónica. Si bien se pone en pie de igualdad con cualquier urbe internacional, se piensa  que muchas ciudades no tienen el coraje de mostrar una exposición de esta envergadura. La 17 ª Bienal se presenta siete lugares de Sydney. Los visitantes podrán experimentar las obras de arte en Cockatoo Island, Pier 2 / 3, el Museo de Arte Contemporáneo (MCA), Sydney Opera House, el Real Jardín Botánico de Artspace y la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur (Gran Corte).
LA BELLEZA DE LA DISTANCIA presenta arte contemporáneo proveniente de muchas partes, mirando hacia el futuro, pero, inevitablemente, formado por diferentes experiencias del pasado. Elliott se hace la pregunta: ¿Cuánto han cambiado las cosas en nuestro mundo de transformación? ¿Cómo funciona el arte que refleja el mundo real?
La exposición explora las conexiones entre las artes visuales y otras formas de arte y presenta obras de artistas visuales junto a las obras de escritores contemporáneos, cineastas, músicos y comentaristas. Hay una tendencia performativa interesante y mientras que algunos grandes proyectos serán exhibidos en sus sedes durante toda la exposición, otros serán eventos puntuales y actuaciones efímeras.

martes, 11 de mayo de 2010

La soledad de Ron Muek



El sábado pasado la Queensland Art Gallery de Brisbane inauguró en sus salas la mayor exposición dedicada en Australia a uno de los artistas de este país más reconocidos internacionalmente: Ron Mueck. Hasta el 1 de agosto se exhibirán en el centro doce esculturas hiperrealistas de este afamado creador.
Las piezas seleccionadas han sido cedidas por colecciones internacionales y australianas; algunas son de tamaño colosal y otras de dimensiones casi miniaturistas, pero todas ellas conmueven al espectador al mostrar con especial detalle al ser humano desnudo, en actitud de introspección, de profunda contemplación o en estado de inconsciencia.
Entre los trabajos más conocidos que se mostrarán en Brisbane encontraremos Dead Dad (1996-1997), escultura que formó parte en 1997 de la controvertida exposición "Sensation", formada por obras de los Young British Artists procedentes de la colección Saatchi; Man in a boat (2002), Wild man (2005) o In bed (2005), a las que acompañarán cuatro piezas inéditas de Mueck, que reside actualmente en Londres.
La obra de Muek despierta gran atracción entre el público. Cuando se abrió la exposición Mueck en la Galería Nacional de Escocia en 2006, rivalizaba con las colas de la exposición de Monet en la misma galería. Él cautivó a los visitantes de la Bienal de Venecia en 2001 con su escultura Boy y su exposición en la Fundación Cartier en París en 2006 rompió todos los récords, con una asistencia de 110.000 personas.

Por considerarlo de interés pedagógico, presento un video en Time-lapse del proceso de realización de la escultura In bed, el cual fue filmado durante varias semanas en su estudio al norte de  Londres: http://qag.qld.gov.au/exhibitions/current/ron_mueck/video