Doris Salcedo.Plegaria Muda.

Doris Salcedo (Bogotá, 1958).
Plegaria Muda.
2008-2010
Instalación
Dimensiones variables
Museet Malmö, Suecia. 

Plegaria Muda nos invita a reflexionar sobre las zonas grises que siempre aparecen en los márgenes oscuros de nuestras sociedades, las zonas en las que los roles de agresor y la víctima tienden a fusionarse y que una vida humana más fácilmente puede ser degradada a la nada. Se deriva de una investigación de tres años de duración en los guetos del sur de East Los Angeles, pero también es una respuesta directa a las atrocidades cometidas por el ejército de Colombia entre los años 2003 y 2009.

Plegaria Muda puede ser traducida como "La oración Muda" y responde a los actos de violencia con una quietud contemplativa. Que no cuenta historias sobre las víctimas individuales, sino en el silencio que da voz a un trauma colectivo que ha causado heridas infectadas a lo largo de un tejido social. Retirado a una invisibilidad, privado y anónimo, hasta el mismo centro de esta pieza es un dolor abismal - una pena, reprimida y sin procesar, que puede encontrar ningún lugar donde la muerte violenta se reduce a la insignificancia completa.

La impureza, la traducción y el intercambio

¿Qué hubiera pasado si René Descartes, el padre de la filosofía moderna, hubiera vivido unos años en medio de la exuberante e intrincada selva amazónica? Hubiera desarrollado el mismo riguroso pensamiento cartesiano? Un método para la selva? Bueno, estas extrañas, pero no inofensivas preguntas pueden surgir del largometraje Ex Isto (2010) del artista brasilero Cao Guimarães que hace parte de la exposición La Espiral y el cuadrado. Ejercicios de traducibilidad, actualmente montada en la Bonniers Konsthall de Estocolmo.

Cao Guimarães (Belo Horizonte, Brasil, 1965) se inspira en la hipótesis que el poeta Paulo Leminskis plantea en su novela experimental Catatau de 1975: ¿Qué hubiera pasado si René Descartes hubiera ido con el holandés Maurice de Nassau al Brasil del siglo XVII? En la película se ve al filósofo en un viaje impresionante y exótico, lleno de descubrimientos, como las hierbas alucinógenas, un trópico inclasificable y, finalmente, una confrontación con sus propias dudas.

La muestra La Espiral y el cuadrado. Ejercicios de traducibilidad, explora el encuentro entre diversas culturas, especialmente las de Suecia y Brasil. ¿Qué sucede en los intercambios entre culturas, entre idiomas, entre un espectador y una obra de arte?

Para abordar ejercicios de traducibilidad se presentan los trabajos de artistas internacionalmente reconocidos de diferentes generaciones y con muchas expresiones diferentes: Angela Detánico y Rafael Lain, Mauricio Dias & Riedweg Walter, Eugenio Dittborn; Öyvind Fahlström, Cao Guimaraes, Dominique Gonzalez-Foerster, Fredrik Ehlin, Andjeas Ejiksson y Oscar Mangione, Laura Lima, Arto Lindsay, Dora Longo Bahía, Renata Lucas; Raimundas Malašauskas y Marcos Lutyens, Cinthia Marcelle, Rodrigo Matheus, Cildo Meireles, João modo , Fabio Morais, Rivane Neuenschwander, Natascha Sadr Haghighian, Rirkrit Tiravanija, Haegue Yang.

En la obra El primer amor (2005-2011) de la artista Rivane Neuenschwander un dibujante de retratos de la policía traduce, en el dibujo de un retrato en papel, la descripción que hacen los visitantes de su primer amor.

La artista Laura Lima (Governador Valadares, Brasil, 1971) guía a los cuerpos humanos para ejecutar una determinada acción, en su mayoría equipados con utensilios específicos o disfraces, o en forma de elementos arquitectónicos. En Marra (1996) dos hombres desnudos se empujan unos a otros con sus manos y luchan en el espacio expositivo, mientras están unidos por una capucha común sin poder ver y respirar cómodamente. La obra explora la rivalidad y la lucha o la colaboración entre las personas.

Rodrigo Matheus (Sao Paulo, Brasil, 1974) explora la representación y la percepción en el arte y la naturaleza. En La naturaleza de la Construcción (2011) una red metálica se presenta entre las ramas de un árbol. Este tipo de red se pone por encima de las ventanas en Brasil con el fin de evitar que los niños se caigan. La instalación es una especie de diorama en el que se contrasta una pintura de paisaje en el fondo en contra de la auténtica naturaleza, pero en una galería de arte instalada artificialmente.

Arqueología en un futuro posible

El artista británico Tony Cragg (Liverpool, 1949) está considerado como uno de los escultores vivos más importantes del mundo. Por estos días su obra se expone simultáneamente en cinco ciudades: Venecia, Dallas, Duisburgo, París y Edimburgo, aunque es en ésta última donde se da  la más completa y atractiva de sus exposiciones.

Efectivamente, la Galería Escocesa de Arte Moderno muestra lo último de Tony Cragg, reconocido como figura central de la generación de escultores británicos surgida a finales de los años 70. Tony Cragg: esculturas y dibujos se centra en trabajos monumentales como Declination (2004), Outspan (2006) y McCormack (2007) realizados durante los últimos quince años, junto a un número significativo de obras anteriores que permiten apreciar la evolución del artista.

Este escultor es recordado por sus trabajos de finales de los años 80 como los famosos frascos de mermelada, botellas de detergente retorcidos y toda clase de objetos encontrados de plástico de colores brillantes, que realizó como expresión sintética de lo que el autor prevé que serán los objetos arqueológicos que aporten información de nuestra cultura actual a los seres que visitarán nuestro planeta dentro de varios siglos.

Cragg ha desarrollado un enfoque de investigación intuitivo en su escultura, utilizando una extraordinaria variedad de materiales. Desde mediados de la década de 1980 ha trabajado extensamente en otros materiales tales como bronce, vidrio, acero inoxidable y madera.

Tony Cragg hizo Britain Seen from the North durante una visita a Gran Bretaña en 1981, cuando sintió que la nación estaba plagada de dificultades sociales y económicas. La figura de la izquierda es un retrato del artista. Cragg vive en Alemania, por lo que aunque Gran Bretaña es su país natal, la visitó viéndola con los ojos de un extraño. El trabajo se compone de muchos objetos individuales, dispuestos en el muro para formar una imagen más grande. Esto ha llevado a que su obra se describa como una "relación de la parte al todo, una idea derivada de la física de partículas”.

La instalación Cumulus está conformada por recipientes de vidrio que han sido tratados con chorro de arena para lograr un acabado transparente lechoso. Se advierte que lo que sería un lento proceso de erosión, se aceleró aquí por el uso de la tecnología moderna. Cada nivel de los vasos, botellas y cuencos parecen sostener la plataforma de arriba.

Cumulus es una "acumulación", un término que describe la práctica escultórica mayoritaria de Cragg, es decir la recolección y organización de los objetos encontrados, con referencias a la geología y la arqueología, pasado y presente, la naturaleza y la cultura.

El arte en diálogo con el enigma y el misterio

Coincidiendo con la conmemoración de los 66 años del bombardeo de Estados Unidos a la ciudad de Hiroshima, en Japón, ayer 6 de agosto se inauguró la cuarta edición de la Trienal de Yokohama, que lleva por título "La hora mágica: ¿Qué parte del mundo podemos conocer? Con la curaduría de la crítica de arte japonesa Akiko Miki, la Trienal   tiene la intención de centrarse en las obras de arte que se refieren a los misterios del mundo y nuestra vida cotidiana, tales cosas como la magia, los poderes, los fenómenos sobrenaturales, la mitología, la leyenda y el animismo.

En el texto curatorial Akiko dice que tiene la sensación de que los avances en la tecnología e información científica, tales como Internet, han hecho que el mundo sea más reconocible de lo que ha sido en el pasado, sin embargo “incluso en nuestro entorno más inmediato sigue habiendo innumerables enigmas, misterios que siguen siendo inexplicables por la ciencia o la razón. Al mismo tiempo, muchas de las cosas que durante mucho tiempo hemos dado por sentado, como los conceptos de tiempo y espacio, están siendo modificados por los mismos avances tecnológicos”.

Algunas de las obras expuestas son:

La instalación Organs (2008) del artista italiano Massimo Bartolini (Cecina, 1962) se muestra como un andamio extraño, hecho de tubos metálicos, como los que cubren las fachadas de los edificios en construcción o restauración. De la “construcción” brotan notas musicales, algunos creen que de los mismos tubos. Los sonidos son producidos mecánicamente por un rodillo de barras cuidadosamente ubicado en la base de la instalación. La obra induce evocaciones de una nostalgia infantil, como la de una caja de música, pero también las formas tubulares recuerdan los tubos de un órgano en conjunción con una musicalidad algo misteriosa y de cierta religiosidad: una variación de John Cage, la línea melódica sencilla que el compositor creó en 1969 como una "imitación barata" del Socrate de Erik Satie, para una pieza de danza de Merce Cunningham. Ver un video de la presentación de la obra el año pasado en Art Basel.

En el video DeadSee (2005) de la artista israelí Sigalit Landau (Jerusalem, 1969) vemos un cable de doscientos cincuenta metros que perfora y sostiene encadenadas 500 patillas, formando una balsa de seis metros en espiral en las aguas saturadas de sal del Mar Muerto. En medio del verdor de esta configuración, aparece la artista flotando desnuda con un brazo extendido hacia un grupo de frutas "heridas", con la pulpa de color rojo intenso. La forma de caracol se despliega gradualmente en una línea verde, dejando ver la superficie del agua y el cuerpo que nada agredido por la saturada solución salina del Mar Muerto. El video fue realizado en agosto de 2004 en el área de Sodoma al sur de Masada.

En la obra Telephone in Maze (2011) de la icónica artista Yoko Ono (Tokyo, 1933) el espectador tiene que recorrer un laberinto de cristal para tomar un teléfono que se encuentra en el centro y hablar con la celebérrima artista. Es una metáfora de la situación japonesa: parece viable por la transparencia de las paredes, pero no es fácil y más de uno puede cosechar estrelladas y golpes con los muros de vidrio.

Con toallas, sábanas, ropa usada y otros elementos cotidianos combinados con pequeñas torres de energía, el artista Takahiro Iwasaki (Hiroshima, 1975) crea visiones de ciudad que nos remiten a la precariedad y la inestabilidad del mundo actual.

La pieza llamada Uno de Wilfredo Prieto (Sancti-Spíritus, Cuba, 1978) es una nítida presentación de la idea de cómo un objeto auténtico enterrado en medio de una pila de sus imitaciones desaparece como tal y la tarea de tratar de distinguir el valor «real» se convierte en un ejercicio inútil.

Si no hay participación no hay arte

En el terreno de la biotecnología y salud pública cuando escuchamos términos como crecimiento viral y auto-replica de la entidad invasora, el terror se apodera de nosotros, pero en el campo del arte sucede lo contrario y la reacción estética puede ser de atracción y hasta de fascinación.

Es lo que muchos visitantes han experimentado con la obra Outside itself del artista Federico Díaz, que se presenta en la 54 Bienal de Venecia. Es una instalación interactiva articulada con base en máquinas robóticas, pero diseñadas completamente por manos humanas desde su creación hasta su montaje.

La obra de Díaz, residenciado en Praga, es una instalación site specific que está matemáticamente programada para responder a la interacción con el espectador. La obra aborda la noción de crecimiento viral, y al entrar en contacto con el público se carga de datos, llega a auto-replicarse y transformarse en una forma de vida en sí misma.

En el centro de la sala un rectángulo de luz invita a los espectadores al encuentro mientras, en el otro extremo de la sala, los robots sensibles a la luz monitorean los movimientos, gestos y desplazamiento de los visitantes. Incluso la ropa de los espectadores es captada por potentes sensores ópticos que utilizan la copiosa información para crear un flujo de datos que informa a los robots para que la instalación  cambie de forma. Así, miles de esferas negras de 5 cm de diámetro se transforman,  recomponen y organizan de acuerdo con los cambios de luz ambiental, cada 12 horas.

Si existe desplazamiento la instalación genera su forma, dándole cardinal importancia a la acción de espectador. Si no hay participación no hay arte.

La persistencia del Arte (a pesar de…)

Después de la Documenta de Kassel, es la Bienal de Venecia el segundo evento más importante del mundo en las Artes Visuales. Creada en 1895, la Bienal llega este año a su versión 54 bajo la dirección curatorial de la historiadora suiza Bice Curiger, quien ha elegido el lema ‘ILLUMInazioni-ILLUMInations’, en un juego de palabras que reúne las ideas de “luz” y “nación”. De tal manera que, según su directora, la Bienal de Venecia pretende “iluminar” al mundo del Arte con "un espíritu que traspasa los confines nacionales en una época en la que los artistas tienen una identidad poliédrica".

La crisis económica, la corrupción política, la guerra, el desempleo, las desigualdades de clases y hasta la primavera árabe son algunos de los temas que los artistas han tratado con mayor profusión para recalcar la necesidad de cambiar un sistema mundial en crisis total.

Hay algunas obras que han llamado mucho la atención de curadores, críticos, teóricos, directores de museos, galeristas y público general en esta 54 Bienal de Venecia:

En el pabellón alemán se reconstruyó una iglesia al tamaño real, que opera como una obra de arte total con instalaciones de pinturas, objetos y videos. Mediante esta inmensa escenificación que perturba a muchos se pretende referenciar la vida del artista Christoph Schlingensief (Oberhausen, Alemania, 1960–2010) que murió el año pasado a causa de un cáncer. Esta obra, A church of Fear vs. The Alien within, relata la experiencia del dolor y el sufrimiento por la quimioterapia y otros tratamientos muy agresivos para luchar contra el cáncer de pulmón y su experiencia cercana a la muerte. En las paredes laterales del pabellón se proyectan otras seis películas de diferentes etapas de su carrera artística.

En un enorme espacio de grandes superficies cubiertas de plateado, el artista Thomas Hirschhorn (Berna, Suiza, 1957) combina imágenes de lujo y moda con las de personas torturadas y ejecutadas que el autor recopiló durante diez años en periódicos y revistas de todo el mundo. La obra titulada Cristal de resistencia es como un gran supermercado con objetos usados y desechados del ámbito de la moda, que crea una especie de sendero fantasma del consumo y el desperdicio. El conjunto se completa con vídeos de las revueltas árabes y acuarios habitados por libros solitarios. Mira Más imágenes de la obra.

La obra El asesino de tu herencia de Adrián Villar Rojas (1980, Rosario, Argentina) consiste en 11 esculturas de arcilla de 6 metros de alto y 2.5 toneladas cada una. Es una instalación site-specific que el artista y sus asistentes empezaron a construir el pasado 20 de marzo dentro del Pabellón Argentino y que se puede asimilar a una ficción apocalíptica, en la que los últimos seres del planeta se confabulan para erigir una última obra artística de la especie humana. El proyecto es una suerte de laboratorio en el cual podemos pensar cómo van a ser reeditados los residuos de la cultura humana. “Son momentos de collage muy brutales entre arquitectura, ciencia ficción, animación japonesa y escultura geométrica abstracta”. El curador Rodrigo Alonso nos dice que las esculturas parten de un relato que desde un futuro hipotético reflexiona sobre el presente, desplegando cierta dimensión política de la fantasía. Desde una mirada situada en ese fin del mundo –el nuestro– nos propone repensar el lugar de la creación artística como un refugio de la existencia, la pasión y la sensibilidad”. Ver el video de la muestra.

The Clock es la obra del artista Christian Marclay (San Rafael, California, 1955) que consiste en un video que dura 24 horas, que se compone de secuencias extraídas de más de 3.000 películas. Los fragmentos introducen imágenes de relojes que marcan la hora exacta coincidiendo con la que el espectador tiene en su propio reloj. En un extraordinario ejercicio de montaje fílmico, Marclay examina cómo el tiempo, la trama y la duración se muestran en el cine a través de su historia, mientras que el video también es un reloj de trabajo que se sincroniza con la hora local. En cualquier momento, un espectador puede entrar a la sala, observar el trabajo y saber con certeza la hora del día. Por este video, el Jurado de la 54 Bienal de Venecia otorgó a Marclay el premio El León de Oro como el mejor artista al estadounidense.

Mike Nelson (Inglaterra, 1967) convirtió el pabellón inglés en un enorme laberinto y varias habitaciones con  instalaciones que evocan la clase trabajadora de Estambul. En su obra titulada El Impostor, el público debe recorrer una sucesión de estancias desoladas y estrechos corredores a los que se accede agachando el cuerpo para contemplar vendajes usados, cuerdas rotas y otros restos que aluden a situaciones de tortura, secuestro e indefensión.

La propuesta Saqueo (Looting) de Regina José Galindo (Guatemala, 1974) está compuesta por ocho pequeñas esculturas de oro. Para realizar esta obra, la artista encargó a un dentista en Guatemala para que le hiciera ocho cavidades en los molares y obturarlas con oro de su país. Después viajo al viejo mundo, a la ciudad de Berlín, donde se sometió a la extracción de ese oro con el fin de crear las esculturas. Así, encarnó en su propio cuerpo el acto de saqueo vivido durante la colonización. “De un lado la conquista, la guerra, la política de tierra arrasada, la explotación de los suelos, el humillado. Del otro el conquistador, el que da las órdenes, el hombre del viejo mundo, el que levanta la mano y se queda con el oro” expresa la artista en su página Web.

Otra obra que ha sido muy apreciada por el público es el proyecto Gloria del duo Allora & Calzadilla. Los artistas Jennifer Allora (Philadelphia, 1974) y Guillermo Calzadilla (La Habana, 1971) que emplean lo performático como elemento sustancial de sus obras, presentan un tanque de guerra blindado vuelto al revés, cuyas chirriantes orugas son movidas por deportistas de élite que corren sobre una máquina trotadora con banda sin fin. Uno de los atletas que participan en el performance es el medalla de oro olímpico de decatlón Dan O’Brien. Gloria alude a temas de tanta actualidad como la competitividad, el militarismo y los nacionalismos, aunque permite un abanico de más profundas interpretaciones. 

Cuando se desea el deseo del otro

En una de las obras de la artista Rivane Neuenschwander, que se exponen actualmente en el Miami Art Museum, usted puede elegir entre miles de cintas de colores que están impresas con los deseos de miles de brasileros pobres y reemplazar uno de esos deseos con un deseo suyo, de tal manera que usted contribuye a convertir una aspiración privada en una responsabilidad colectiva. Se trata de un arte de participación titulado I wish your wish (2003), basado en una práctica habitual de peregrinos de la Iglesia de Nosso Senhor do Bonfim en Salvador de Bahía, en la que los fieles se atan cintas de tela a las muñecas y piden un deseo, con la creencia que su deseo se cumple cuando las cintas se desgastan y se caen.

Esta y otras obras hacen parte de la exposición Rivane Neuenschwander: A Day Like Any Other, en la que el público puede analizar diez años de prácticas artísticas de Rivane Neuenschwander (Belo Horizonte, Brasil, 1967) a través de la pintura, la fotografía, el cine, la escultura, las instalaciones y las acciones participativas.

Se trata de la producción de la primera etapa de la carrera de Neuenschwander, que se caracterizó por su rigor conceptual, su atractivo sensorial y la pretendida búsqueda de evocaciones poéticas y de interacción con el espectador.

Con esta muestra, que se puede ver hasta el 16 de octubre, podemos llegar a comprender por qué Neuenschwander se reconoce como una de las figuras con mayor reputación internacional del arte contemporáneo brasileño. Así mismo,  como ella se inspira para sus temas en la naturaleza, el transcurso del tiempo, los ciclos de la vida, los misterios de la percepción y de las relaciones humanas.

Sus obras, de carácter siempre participativo y con un toque juguetón y sensual, nos impulsan a reflexionar sobre las difusas fronteras entre artista, obra y espectador, ya que muchas de las piezas de la brasileña son resultado de la colaboración de grupos de personas tan variados como los músicos, los clientes de bares o los propios visitantes de sus exposiciones. De esta manera, ella continúa con la tradición de borrar la distinción entre el creador y el espectador moderno desarrollada por artistas brasileños, como Lygia Clark y Hélio Oiticica.

También usted podrá admirar las obras: Rain Rains (2002), una instalación con un gran número de baldes suspendidos del techo para crear un ambiente de lluvia artificial; First Love (2010), donde los visitantes describen su "primer amor" a un dibujante de retratos de sospechosos de la policía y The Conversation, basado en la película homónima de Coppola de 1974, filme visionario que explora las violaciones de la intimidad y la privacidad a través de la tecnología.

Mona Hatoum. Roadworks

Mona Hatoum (Beirut, 1952)
Roadworks
1985
Performance


Durante la primera mitad de la década de los ochenta, Hatoum llevó a cabo una serie de actuaciones controvertidas lleno de contenido político. Esta pieza fue producida dentro de este marco, en 1985, en las calles de Brixton, un barrio predominantemente negro de la clase obrera, que se encuentra en las afueras de Londres. Hatoum realiza dos actuaciones relativas a una acción organizada por otro artista Stefan Szczelkun titulado "Proyectos de construcción", en los que la intención era crear una relación entre un determinado grupo de artistas que intervienen en una comunidad empobrecida. De esta manera, estos artistas que producen su trabajo en un entorno y para un público muy diferente que esta costumbre visitar museos y galerías.

Hatoum es retratado en la fotografía y los pies descalzos caminando por las calles del barrio con un par de pesados ​​el Doc Marten botas atadas a sus tobillos. Sus pies aparecen desnudos y vulnerables en comparación con las botas resistentes tradicionalmente usado por la policía o por cabezas rapadas. El artista se presenta como una persona pobre que cuestiona el sistema, tratando de poner de manifiesto su mecanismo estructural a través de una acción en la que incluso el acto de base de caminar se hace difícil.

Yayoi Kusama: puntual

Hasta el 18 de septiembre estará abierta al público en el Museo Reina Sofía de Madrid una completa retrospectiva sobre la obra de la artista japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto 1929), que muchos estudiosos consideran como la artista más prestigiosa de Japón.

La exposición, con la curaduría de Frances Morris, de la Tate Modern de Londres, pretende mostrar la amplitud y la profundidad de la producción de Kusama, resaltando las etapas creativas más importantes de la artista a través de un conjunto de 150 piezas. Después de España, la muestra recorrerá algunos de los principales centros de arte del mundo: Centre Pompidou de París, Tate Modern de Londres y el Whitney Museum de Nueva York.

En esta retrospectiva, el espectador puede tener una visión global de las seis décadas de creación de la artista y puede recorrer, a través de una serie de ambientes, la obra de Kusama y su acercamiento a los diferentes medios, técnicas y materiales: dibujo, pintura, collages y assemblages, escultura, instalaciones, películas y performances, edición y diseño.

Kusama desempeña un papel trascendental en el arte de posguerra desde una posición excéntrica. De un lado se aproxima al pop, al nuevo realismo y al feminismo en sus instalaciones y faceta pública; de otro, su empleo de la repetición, de lo monocromo y de la retícula tienen que ver a la vez con la obsesión y la enfermedad mental. Esta exposición muestra a Kusama como una artista irreductible y esencial en las nuevas narrativas globales del arte contemporáneo.

Es muy relevante en su carrera su traslado a Estados Unidos en 1957, donde Kusama comenzó a exhibir grandes pinturas, esculturas blandas e instalaciones medioambientales en toda la década de 1960, alcanzando gran proyección y exhibiendo sus obras junto a sus amigos Claes Oldenburg, Andy Warhol, Jasper Johns y Donald Judd.

El desarrollo de una fuerte conciencia social le permitió vincularse con los movimientos contraculturales del momento, especialmente con el hippie, realizando numerosos acontecimientos –conocidos como Kusama Happening- y participando en festivales de pintura corporal, desfiles y manifestaciones contra la guerra de Vietnam. En una de sus obras audiovisuales, Self-Obliteration (1968), la pintura se transforma en elemento que empapa el espacio para estallar en verdaderas celebraciones del cuerpo y de la libertad sexual.

Más allá de la concentración en el aspecto patológico y terapéutico del arte, esta exposición pretende reflejar la profundidad de su trayectoria así como su contemporaneidad, mostrando también recientes instalaciones, como I´m Here, but Nothing (2000), y otras concebidas para la ocasión, como Infinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life (2011). “Si no hubiese hecho arte, me hubiera suicidado hace mucho tiempo” sentenció la artista.