domingo, 1 de mayo de 2016

Doris Salcedo: Arte enlazado con el duelo

Doris Salcedo, nacida en Bogotá en 1958, es hoy por hoy la artista más destacada en el panorama nacional de las artes visuales y una de las artistas más importantes en la escena contemporánea internacional. Sus obras han sido expuestas en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, en la Tate Modern de Londres, en el Centro Pompidou de París, en el Art Institute de Chicago y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, entre otros. Y fue la primera colombiana invitada a una Documenta (2002), el evento más importante de las artes visuales en el mundo.

Mayoritariamente, la obra de Salcedo gira en torno al grave problema de la violencia en Colombia y a su devastadora incidencia sobre la paz y la convivencia de los colombianos. La artista viaja a las zonas más deprimidas del país y habla con las familias de los asesinados para incorporar sus testimonios a las esculturas e instalaciones que construye, porque "el artista no es una persona creativa", sino alguien que "conecta pensamientos, historias y materiales".  Utiliza a menudo muebles en sus esculturas, eliminando su naturaleza familiar y dándoles un aire de malestar y horror.
En la colección del Banco de la República reposa una de sus primeras obras: Sin Título (Imágenes de duelo) de 1988-90, una instalación icónica conformada por 4 pilas de camisas blancas delicadamente dobladas, almidonadas con yeso e insertadas en varillas metálicas que se alzan a diferentes alturas. Esta instalación nos pone a pensar sobre la memoria de las víctimas anónimas del conflicto armado de Colombia y “recuerda el silencio y la poética de las acciones implícitas en su elaboración: doblar, apilar, ordenar, ensartar, entre otras. Rememora un rito privado, el duelo que lleva a constantes meditaciones sobre el ausente, a pensar lo que ha sido de él; una lucha interna por aceptar la perdida del otro en un manejo del tiempo que generalmente se torna extraño”.

Otra de sus creaciones tempranas, Atrabiliarios, 1996, es una instalación mural compuesta de zapatos de mujer metidos en nichos y cubiertos por una película translúcida hecha con vejiga de vaca.
Pero la obra que empezó a convertirla en la artista colombiana más notable consistió en 280 sillas que se descolgaron paulatinamente en la fachada del Palacio de Justicia de Bogotá en el año 2002. Se trataba de simbolizar la masacre ocurrida allí cuando el grupo insurgente M19 se tomó y se hizo fuerte en el edificio y el ejército provocó más de 100 muertes entre magistrados, funcionarios, visitantes y guerrilleros durante el ataque para recuperar su control, en lo que se ha hecho célebre como la retoma del Palacio de Justicia.

La primera silla empezó a deslizarse a las 11.35 de la mañana porque a esa hora mataron a la primera persona. Después siguieron las 279 restantes con una sincronización muy significativa, porque el tiempo fue el elemento esencial en la obra que duró sólo 53 horas: el mismo tiempo que duró la toma. A partir de entonces, Doris Salcedo dejó de ser una artista convencional, porque “aquella obra abrió la puerta a otros elementos, como el tiempo, el espacio público y la memoria".

Salcedo alcanzó niveles de popularidad mundial gracias a su obra Shibboleth, la famosa ‘hendidura’ de 167 metros que creó en 2007 para la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres. Doris salcedo fue la 8ª artista del mundo y la primera de Latinoamérica en ser invitada a exponer su obra en esta exclusiva sala. La dramática grieta que rasgaba el suelo del museo londinense simbolizaba la división en clases y el racismo que existe en el mundo, “la separación que existe entre la humanidad y la falta de humanidad”, puntualizó la artista.  
En el 2012 expuso en el Museo Nacional de Artes del siglo XXI en Roma su gran instalación Plegaria Muda, que se componía de más de cien pares de mesas de madera, una volteada sobre la otra y separadas por una gruesa capa de tierra, de la cual surgían pequeñas briznas de hierba creciendo a través de las rendijas entre los tablones de madera de la mesa superior. Plegaria Muda responde a los actos de violencia con una quietud contemplativa, que no cuenta historias sobre las víctimas individuales, sino en el silencio da voz a un trauma colectivo que ha causado heridas infectadas a lo largo de un tejido social.

Esta instalación nos invita a reflexionar sobre las zonas grises que siempre aparecen en los márgenes oscuros de nuestras sociedades, las zonas en las que los roles de agresor y la víctima tienden a fusionarse y que una vida humana más fácilmente puede ser degradada a la nada. Se deriva de una investigación de tres años de duración en los guetos del sureste de Los Ángeles, pero también es una respuesta directa a las atrocidades cometidas por las fuerzas militares colombianas entre los años 2003 y 2009.
En el 2014 se ganó el afamado Premio de Arte de Hiroshima por su obra  A flor de piel,  una especie de inmenso tapete rojo oscuro hecho de miles de pétalos de rosa cosidos unos a otros que formaban un sudario suave y ondulado. La texturada “piel” instalada en el Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima, Japón, no estaba cubriendo un objeto o una escultura, no había nada debajo de ella. Era eso, solamente una piel que nos hace pensar y sentir la vulnerabilidad de la vida humana.

A raíz de este premio la teórica cultural neerlandesa Mieke Bal expresó: “Doris Salcedo trabaja para que no se olvide el horror, y para que tampoco se abandone la esperanza. ¿Qué mejor artista le podrían elegir para el Premio de Arte de Hiroshima? No solo por la belleza consoladora de sus obras, sino por su más profunda empatía con los muchísimos sobrevivientes de las acciones de violencia que se cometen cada día en el mundo, y por la manera en que consigue proponer e imponer la importancia social y política del arte”

Doris Salcedo es conocida por el énfasis en el cuidado por el detalle y el rigor estético en cada una de sus piezas, para poder reflejar de la manera más directa la memoria de lo que pasa a las víctimas de la injusticia. “La fragilidad de la vida debe quedar reflejada con una obra técnicamente perfecta", según sus propias palabras.  Esa vulnerabilidad se hace patente en los materiales que utiliza para componer sus obras, procedentes de víctimas reales en muchos de los casos, y en lo efímero de esas creaciones, que evocan una Latinoamérica cuya historia se edificó con base en los despojos del pillaje colonizador, en "ruinas, no en obeliscos ni arcos de triunfos".

domingo, 11 de octubre de 2015

Doce caballos vivos en Nueva York

En la galería Gavin Brown de Nueva York se mostró la celebérrima obra del Arte Povera "Senza titolo (dodici cavalli vivi)" del artista Jannis Kounellis, que se exhibió por vez primera en la galería L'Attico de Roma en 1969. Como la versión original, que causó un impacto mayúsculo en el mundo de la cultura, en el espacio neoyorquino estaban presentes 12 caballos vivos comportándose con toda normalidad, instaurando lo real en el espacio del arte. ‪#‎hyperallergic‬ ‪#‎janniskounFoto de Néstor Martínez Celis.
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Como zorro es lógico que lea mucho para sabérselas todas. Escultura del venezolano Javier Téllez que hace parte de la muestra "By the Book" que explora el impacto de la estética y la forma en la Literatura. Galería Sean Kelly. @artobserved ‪#‎JavierTellez‬ @SeanKellyny 
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Esta imagen es el resultado de un cultivo en laboratorio de bacterias tomadas de una impresión de la mano de un niño de 8 años que ha estado jugando fuera de casa. La profesora de microbiología de un colegio de California Tasha Sturm experimenta con grabados de las manos de su hijo para obtener unas fotografías de gran valor formal y estético que revelan un mundo al que cotidiana y visualmente no tenemos acceso. ‪#‎tashasturm‬ ‪#‎saatchi‬ 
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Parece una tela plisada, pero es más bien una especie de sudario que remite al horror de la violencia política-social de los últimos 50 años en Colombia. "A flor de Piel" se titula esta obra realizada por la artista colombiana Doris Salcedo con pétalos de rosa delicadamente cosidos entre sí, y parte de una investigación sobre una enfermera colombiana que fue horriblemente torturada hasta la muerte y cuyo cuerpo nunca apareció @guggenheim ‪#‎DorisSalcedo‬ 
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La obra "Promesa Simultánea" del mexicano Abraham Cruzvillegas se compone de una bicicleta adornada con parlantes, espejos, tubos, baterías y otros objetos, y emite una serie de canciones de protesta silbadas por el artista. Nos remite a los vendedores callejeros mejicanos, los equipos de sonidos del Caribe y a muchas otras manifestaciones culturales populares de Latinoamérica. ‪#‎abrahamcruzvillegas‬ ‪#‎thomasdanegallery‬ 

CONVOCATORIA. Proyectos de exposición para el Calendario 2016 de la Galería La Escuela

La Galería La Escuela de la Universidad del Atlántico, Barranquilla, Colombia, convoca a curadores, artistas e investigadores a enviar proyectos de exposición para que hagan parte del calendario de muestras del año 2016.
La Galería La Escuela en su ideario propone el impulso, la difusión y reconocimiento nacional e internacional de los jóvenes Maestros y artistas emergentes del Caribe colombiano. Por lo cual, procura mostrar propuestas con una mirada más reflexiva en cuanto a contenidos y lenguaje visual y vinculadas a nuevas tendencias del arte contemporáneo. Aunque, eventualmente, puede mostrar proyectos de maestros consagrados.
El propósito es seleccionar hasta dos proyectos de exposición que hagan parte del calendario que se inicia en marzo del 2016.
Entendemos todo proyecto de exposición como el resultado de una investigación sobre una o varias obras artísticas en un contexto determinado, llevadas a una exposición con el propósito de proponer una mirada singular sobre el arte. Esta investigación arroja un discurso teórico, criterios de selección, interpretación de obras, un guión de montaje y unas estrategias de comunicación con el entorno e interacción con el público, en lo posible con sólidos criterios pedagógicos. En otras palabras, todo proyecto de exposición debe estar sustentado en unos principios curatoriales.
Los concursantes pueden presentarse a título individual o formando equipos curatoriales. Solo se admitirá un proyecto por participante o equipo. Las exposiciones pueden ser sobre un solo artista o ser muestras colectivas.
La galería garantiza la conservación de las obras desde el momento en que estas ingresan a los predios de la Galería La Escuela y hasta el momento en que salen de ellos para ser devueltas a los responsables.
Al tener un carácter institucional por pertenecer a la Universidad del Atlántico, La galería La Escuela no persigue un afán de lucro por lo que no comercializa obras de arte. Toda venta de obra expuesta que se llegare a efectuar deberá ejecutarse por fuera de los marcos institucionales y sin comprometer el curso de la exposición.
Requisitos de los proyectos
Los postulantes deberán presentar un proyecto específico de exposición para la Galería La Escuela  (solicitar plano del espacio), que comprenda:
            1. Texto crítico con soportes teóricos e interpretación de las obras de la muestra. Con una extensión no mayor de 4.000 palabras.
            2. Fotografías de las obras a exponer con sus respectivas fichas técnicas (Autor, título, año, modalidad y/o técnicas, dimensiones). En caso de videoarte, performances o procesuales se deben presentar videos.
            3. Guión de montaje de la exposición.
            4. Currículum de los artistas, no mayor de tres páginas (estudios, residencias, exposiciones  importantes, premios e incluir e-mail y teléfonos).
            5. Actividades de apoyo a la exposición, como visita guiada, conferencia, taller, foro, etc. No más de cuatro.
Apoyos
Para cada exposición la galería ofrece:
- Equipo profesional de montaje al servicio del curador. Los montajes especiales que necesiten equipos electrónicos u otros elementos no convencionales serán aportados por los proponentes.
- Tarjeta de invitación tamaño carta, 4x4. 300 unidades.
- Diseño de Catálogo electrónico en pdf de 8 páginas, con los contenidos de la curaduría.
-  Promoción y difusión por todos los medios, canales y redes usuales.
La Galería no se compromete con algún otro gasto. Los proponentes se comprometen a establecer y financiar un presupuesto de costos acorde con las actividades investigativas a desarrollar y las proyecciones de la propuesta.
Recepción de proyectos
Los proyectos deben ser enviados en formato digital (pdf) a nuestro correo galerialaescuela@uniatlantico.edu.co a partir del lunes 19 de octubre y hasta el sábado 31 de octubre de 2015. En carta de presentación deben estar los datos de identificación del responsable del proyecto. No se evaluarán proyectos incompletos o enviados fuera de plazo.
Resultados
Los proyectos serán evaluados por un comité conformado por tres experimentados estudiosos de las artes visuales. La evaluación de los proyectos se realizará durante la primera quincena de noviembre y los resultados serán publicados en la tercera semana de noviembre de 2015. Con los proponentes seleccionados se programarán reuniones individuales en la última semana de noviembre de 2015, para comenzar a trabajar.
Los proyectos seleccionados que conformarán el calendario 2016 de la Galería La Escuela se programarán entre los meses de marzo y julio de 2016.
Los postulantes podrán ir a estudiar el espacio de la galería cuando lo estimen conveniente. La Galería La Escuela permanece abierta de lunes a viernes de 9:00 a 1:00 p.m. y de 3:00 a 7:00 p.m. y los sábados de 10:00 a 2:00 p.m. A los curadores de fuera de Barranquilla se les podrá enviar fotografías articuladas al plano del espacio.
Al participar en esta convocatoria se entiende que el postulante acepta la totalidad de las bases y condiciones generales.
Para aclaración y más información comunicarse con:
Galería La Escuela
Tel.:  319 7224  Cel.: 315 772 3209
Calle 68 #53-45. Edificio de Bellas Artes
Barranquilla, COLOMBIA

sábado, 20 de junio de 2015

El arte, la guerra y el calentamiento global


"Punto caliente" es una escultura de la artista libanesa Mona Hatoum que mostrará junto con otras 100 de sus obras en el Centre Pompidou de París. Los contornos del mapamundi hechos con luz de neón producen una atmósfera roja intensa, metáfora de lo peligroso que se ha vuelto el mundo global con tantos conflictos y disturbios que ya no solo son fronterizos.‪#‎monahatoum‬ ‪#‎pompidou‬


Foto de Néstor Martínez Celis.




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Gabinete #12 -celosía natural- de colectivo Mangle
‪#‎colectivomangle‬ ‪#‎floraarsnatura‬


Foto de Néstor Martínez Celis.






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Una instalación de grandes proporciones del mediático artista chino Ai Weiwei que lleva por título "Stacked" y se puede ver en Art Basel. @tmagazineb ‪#‎aiweiwei‬ ‪#‎artbasel‬ 


Foto de Néstor Martínez Celis.




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Un dragón hecho completamente con cigarrillos se puede ver como un contrasentido o una curiosa broma de la artista londinense Sarah Lucas. Con un aire primitivo a lo Paolo Ucello, la escultura titulada "Drag-On será puesta en venta en Christie's a final de junio. ‪#‎sarahlucas‬ ‪#‎christiesing‬

Foto de Néstor Martínez Celis.




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Kader Attia, artista francés de origen árabe, realiza investigaciones sobre errores históricos. En este performance titulado "Primavera Árabe" recrea las revueltas y ataques a piedra contra el Museo Egipcio de El Cairo. @artbasel ‪#‎KaderAttia‬ @GalleriaContinua 





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El artista italiano Nunzio Paci en su obra "El conservador de la carne" explora las relaciones entre cuerpo y naturaleza especialmente la fauna y flora y las mutaciones que podrían sobrevenir cuando se trastocan los límites entre realidad e imaginación. @nunziopaci ‪#‎nunziopaci‬ 

Foto de Néstor Martínez Celis.





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Cristina de Middel es una fotógrafa española que realiza una serie titulada "Esto es lo que hizo el odio". Ella parte de un relato donde un joven nigeriano que, huyendo de su aldea invadida por soldados, se interna en el mundo mágico de los espíritus Yoruba y sufre una serie de calamidades. @artnewsafrica @lademiddel


Foto de Néstor Martínez Celis.