sábado, 30 de enero de 2010

Proforma 2010: Una nueva manera de generar proyectos artísticos


Coincidiendo con su 5° Aniversario, hoy sábado se inicia en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, MUSAC, el proyecto Proforma 2010, en el que los artistas Txomin Badiola, Jon Mikel Euba y Sergio Prego se encerrarán durante 40 días en el museo, junto a quince invitados, para desarrollar la obra expositiva.
En los más de 4.000 m2 de espacio expositivo del Musac se desarrollará este proyecto, que es presentado por Agustín Pérez Rubio, curador y director del Musac, como una nueva manera de generar proyectos artísticos que trasciende las nociones convencionales de actividad expositiva y/o didáctica.
Partiendo de tres propuestas iniciales, el espacio expositivo se irá transformando a medida que avance el proyecto, en el que los participantes compartirán impresiones y conseguirán así "incrementar la labor creativa", según ha expresado Euba. El público visitante ya no presenciará una obra terminada como en las demás exposiciones, sino asistirá a un espacio abierto, lleno de vida y gente en constante trabajo. Al final de la “cuarentena”, y contrario a las exhibiciones convencionales, se inaugurará la exposición Primer Proforma 2010.
“PROFORMA 2010 BADIOLA EUBA PREGO 30 ejercicios 40 días 8 horas al día” se traduce en un nuevo formato experimental que pretende generar nuevas formas de acción en las que se incluyen tanto la producción, la exhibición y sobre todo el conocimiento y la creación de sentido en el ámbito de la práctica artística dentro del contexto de una institución museística. Se presenta el arte como modo de conocimiento y comunicación y se pretende además  visibilizar la obra de arte en sus múltiples caras como producto, herramienta y lugar de encuentro.
El propósito es hacer partícipes a otros, a través de la acción, de una experiencia normalmente privada. Cada ejercicio producirá unos resultados físicos o inmateriales que cada día serán objeto de consideración, tanto en cuanto a su análisis como experiencia o a su documentación y comunicación en un editorial o peer-review que integrará a los directores, a los voluntarios y, eventualmente, a cualquier otro agente externo invitado a participar.
Como lo han anotado sus creadores, PROFORMA aspira a ser “una universidad, entendida en su sentido original, como congregación o comunidad orientada hacia una meta común que responde a sus propias autoridades; una universidad de artistas, para artistas y no artistas. Una simbiosis del museo, el estudio y el aula”.
Para profundizar en el conocimiento de este proyecto visita la página del Musac dando un click aquí.

sábado, 9 de enero de 2010

Menos basura y más Arte




El pasado jueves se inauguró en Barcelona el Drap-Art 09, Festival Internacional de Reciclaje Artístico de Cataluña, que este año celebra su 6ª edición con la presentación de 100 proyectos artísticos seleccionados de todas partes del mundo.
Drap-Art 09 se realiza en la sede del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), donde el público puede asistir a exposiciones colectivas de arte y diseño realizados con materiales reciclables, intervenciones en el espacio público, talleres, espectáculos audiovisuales y un mercado de arte y diseño.
El objetivo de este evento es potenciar el reciclaje como recurso de transformación en el arte, en lo social y en lo ecológico. Reciclar, reutilizar y recuperar revaloriza las cosas, induce a un consumo más reflexivo, contribuye a aumentar el respeto por el entorno y por las personas que viven en él, propiciando culturas basadas en el conocimiento y el respeto mutuo. Drap-Art considera que es imperativo apoyar a las nuevas generaciones de artistas cuestionan este estado de cosas, animándolos a que utilicen el reciclaje no sólo como un recurso de crítica, sino como una herramienta provechosa al alcance de todo el mundo. Transmutar la protesta en propuestas positivas, para el logro de un mundo más sostenible.

Este año los organizadores destacan la instalación Retroprogrès del artista mallorquín Carles Gispert, capaz de convertir cinco coches en peculiares maceteros que podrán verse en las calles de Barcelona, las esculturas que crea la artista londinense Hannah Greenaway tejiendo y fundiendo bolsas de plástico de supermercado y el Sofá Seat 600 de los catalanes Carles y Jesús Bel, un ejemplo de arte integrado por disciplinas muy diferentes.

Dibujar la Escultura, esculpir el Dibujo



Ayer domingo, el Museo de Arte Moderno de Nueva York inauguró la primera retrospectiva de museos importantes del artista mexicano Gabriel Orozco (n. 1962), que desde principios de 1990 ha forjado una carrera marcada por la innovación continua y se ha convertido en uno de los principales artistas latinoamericanos.
Abierta al público hasta el 1 de marzo de 2010, esta retrospectiva examina dos décadas de la trayectoria de Orozco en una exposición de unas 80 obras, que revela cómo el artista se mueve libremente y de manera fluida entre diversos medios como dibujo, fotografía, escultura, instalación y pintura para crear un conjunto heterogéneo de objetos que se resiste a la categorización.
En esta retrospectiva se pueden identificar obras ya muy reconocidas en el panorama artístico contemporáneo como My Hands Are My Heart (1991), La DS (1993), Hasta que encuentre otra Schwalbe amarilla (1995), Black Kites (1997) y otras, pero la que más llama  la atención es la monumental escultura-dibujo Mobile Matrix (2006), compuesta por un esqueleto natural ensamblado de una ballena gris, que se encuentra instalado en el segundo piso del Museo.
Es la primera vez que esta obra ha sido vista fuera de México porque fue realizada por el artista, por encargo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, para ser exhibida permanentemente en el edificio de la Biblioteca José Vasconcelos de Ciudad de México. La historia de esta obra es bien interesante: Fue concebida a partir del espacio del edificio cuando este aún no se había terminado. Después de procesos de pensamiento creativo para determinar que escultura ocuparía el espacio asignado, el artista se desplazó hasta las costas de Baja California Sur para buscar y excavar en la arena los huesos de una inmensa ballena gris. Posteriormente, y con un equipo de 20 asistentes, invirtió mucho tiempo y 6.000 lápices para dibujar una geometría de líneas en el esqueleto de la ballena que se relacionan con su estructura, una especie de infinitud de círculos negros rodeados de series de anillos concéntricos que chocan y se superponen unos con otros.
Los huesos de la inmensa ballena, que deberían colgar fijos y para siempre del techo de la Biblioteca Vasconcelos de Ciudad de México, paradójicamente siguen navegando por todo el mundo por ser hoy contenidos de una obra de Arte.
La exposición viajará a otros tres museos: Kunstmuseum de Basilea (abril-agosto, 2010), el Centro Georges Pompidou de París (septiembre-enero, 2011), y la Tate Modern, Londres (enero-abril, 2011),
Para ver al artista dibujando en el esqueleto de la ballena y el proceso de ensamblaje de Mobile Matrix da un click aquí.

Animales vivos en la obra de Arte



Vincular animales al arte siempre fue un atractivo para los artistas. La historia del arte está poblada de este tipo de obras. Pero es muy reciente la vinculación de animales vivos como componentes del proyecto artístico.
Varios animales son protagonistas de algunas obras de la exposición El cielo dentro de mi casa, realizada –curiosamente– en 16 patios de la ciudad de Córdoba, España, con la curaduría del cubano Gerardo Mosquera. Los patios cordobeses constituyen el patrimonio más emblemático de la ciudad, ofreciendo una síntesis de la historia multicultural de Córdoba.

Las obras de arte que se muestran son principalmente las intervenciones hechas por los 16 artistas en cada patio. El objetivo es llegar a un equilibrio, o más bien una conversación de enriquecimiento mutuo entre los patios y el arte contemporáneo. Estas intervenciones artísticas exploran las relaciones entre los ambientes público y privado, entre el arte y la vida diaria, y entre la cultura contemporánea, la historia y la tradición. El patio es el lugar de la casa para ver y sentir el cielo: un modo de apropiarse de un pedazo del cosmos para uso privado
En este contexto, el artista Carlos Garaicoa, con su instalación Principios básicos para destruir, emplaza una de sus famosas ciudades, pero esta vez hecha con azúcar y con el objetivo de que las hormigas que habitan en el patio la devoren poco a poco hasta terminar la muestra.

Sobre el caparazón de dos tortugas, animales milenarios llenos de simbolismo en la tradición china, el artista Cai Guo-Qiang fija una serie de elementos que hacen alusión a los componentes habituales que conforman un jardín. Posados sobre las tortugas vivas, que se moverán a su voluntad por el patio, estos elementos podrían interpretarse como partes de un singular Jardín en movimiento.
Por su lado,  el español Fernando Baena distribuye por todo el patio 2016 caracoles vivos pintados con una película de pan de oro. El curioso número de estos animales, tan característicos del ecosistema del patio cordobés, recuerda que la ciudad de Córdoba es candidata para ser Capital Europea de la Cultura en 2016.
Si quieres acceder al catálogo completo de la exposición da un click aquí.

Arte en un mundo cambiante



El pasado jueves se inauguró en la Royal Academy de Londres la exposición Earth: Art of a changing World, con el propósito de subrayar el papel de la creatividad y la innovación en la mejora de la salud y el bienestar de las personas y de fomentar el debate en torno a la utilización del arte como medio de concienciación en torno a las repercusiones del cambio climático en nuestra vida cotidiana. La muestra incluye obras recientes e inéditas de treinta destacados artistas contemporáneos que trabajan con gran variedad de medios.
Mona Hatoum, Edward Burtynsky, Antti Laitinen. Sophie Calle, Spencer Finch y Cornelia Parker, entre otros artistas presentes en esta exhibición, abierta al público hasta el 31 de enero, han alcanzado el éxito representando en sus trabajos la influencia que tendrá el cambio climático a escala mundial desde una narrativa humana y personalizada. Pese a la carga reflexiva de la exhibición, su intención crítica tuvo tanta importancia en la mente de sus organizadores como la calidad estética de las obras seleccionadas, su impacto visual y las experiencias contemplativas y participativas que éstas pueden suscitar en el espectador.

Tierra: Arte en un mundo cambiante se estructura con la necesidad de articular una relación equilibrada entre naturaleza y actividad económica o industrial y representaciones de nuestro mundo tal y como lo concebimos hoy. Analiza el papel del artista en el ciclo de la evolución humana como comunicador e intérprete de un mundo cambiante, contrastará la belleza de paisajes naturales aún no dañados con desastres ecológicos fruto de la intervención humana y confrontará nuestras habituales certezas y nuestra ingenua seguridad al pensar que el planeta responderá siempre a nuestra autoridad y control.

Da un click aquí para que veas un video de Darren Almond, nominada para el Premio Turner, sobre la peligrosa recolección de azufre que hacen los mineros de la isla de Java. El video fue grabado desde el interior de un cráter volcánico.

Los retratos del Color de la sociedad



Sinécdoque es un proyecto permanente de pintura de retratos de personas del artista coreano-americano Byron Kim (n. 1961), que ha sido recientemente adquirido e instalado en el edificio Oriental de la National Gallery of Art de Washington. Fue comenzado en  1991 y a la fecha suma más de 429 paneles, cada uno de un solo tono, que van desde el rosado más claro al pardo más oscuro.
Kim toma registros de color de la piel de personas desconocidas, amigos, familiares, vecinos y hasta de compañeros artistas, y con aquellos elabora la pintura de aceite mezclado con cera que aplica con una espátula en el soporte de 10 x 8 pulgadas, un tamaño convencional para la fotografía de retratos. Una vez instalada la obra, el subtítulo de acompañamiento consiste en los nombres de los retratados ordenados alfabéticamente. Pero, Sinécdoque puede ser instalada de muchas maneras, utilizando todos o algunos de los paneles, en una red de casi cualquier tamaño o forma.

Este proyecto de Kim, todavía en construcción y que me recuerda las cartas de colores de Richter, explora la historia de la pintura abstracta, los problemas de color y visión, y las cuestiones de la identidad humana y lo que de esto se deriva para la existencia. El título se refiere a una figura del discurso en el que una parte representa el todo y deja claro que las cuestiones de representación, visualidad y democracia, están en juego.

Registrar la historia humana-geográfica contemporánea



En la Trienal de Chile, que finaliza el 5 de diciembre, se muestra la obra Sismografía de Chile del artista Fernando Prat, como parte de la gran exposición “El Terremoto de Chile”, curada por Fernando Castro Flórez.
El proyecto consiste en la realización de un viaje por el territorio de Chile desde Arica hasta la Antártica, recolectando imágenes, huellas y registros de la geografía. La idea es relacionarse de manera directa con el límite geográfico, con su concentración de fuerza y manifestación, observando y trabajando la actividad sísmica, resu­mida como un proceso de acumulación y liberación de energía, que se va dando a lo largo de todo el territorio Chileno.

Presentando fotografías, videos, objetos, pinturas de humo, registros de performances, documentos,  Sismografía de Chile pretende ampliar los límites establecidos por la Trienal de Chile 2009, abarcando desde una dimensión geológica el territorio nacional. Justamente, el lema de la Trienal es “Explorar los límites del arte”
Una caja para ahumar con un papel a modo de “sismograma” o “soporte para la memoria”, registrará la ex­plosión de la energía contenida en la naturaleza geográfica. En el caso del pueblo de Chaitén quizás, involucrando el cuerpo, los cabellos, las uñas, los fluidos, pensamientos e intuiciones, etc., por otra parte tam­bién, recolectando cenizas, algún objeto del lugar que contenga la naturaleza de las personas que vivieron la erupción del volcán.

El proyecto Sismografía de Chile, busca ampliar esta idea de recolección de imágenes y exponer la expresión irrepresentable y única de fenómenos que no están a nuestro alcance pero forman parte de nuestro suelo perceptivo. Esto repercute en nuestra conciencia y percepción cuestionando de qué forma habitamos el mundo, haciendo visible o simplemente reconociendo lo que está en los repliegues de la memoria de cada una de las personas que participan o forman parte de este sismo. Se registrarán los pulsos de la naturaleza, sus espacios y cotidianidad. 

El resultado es una huella generadora de conciencia, es una huella producida gracias a una comprensión pro­funda, a través de una experiencia plástica directa. Pintura al humo significa trabajar con la huella: funciona por eliminación, no por añadido. La superficie pictórica no es receptora de imágenes incorporadas: la huella es entendida como señal interna que registra lo móvil, lo dinámico y no como imagen externa destinada a repro­ducir una figura fija, estática.
El humo que en sus principios registró la actividad tectónica de Chile, mediante un sismógrafo con láminas ahumadas, ahora con el proyecto Sismografía de Chile, abre una nueva vía de conocimiento, registrando la histo­ria humana-geográfica contemporánea de Chile.

El Arte también se puede comer!



Hace pocos días un estudiante me preguntó sobre artistas que hayan trabajado con el concepto Arte y Comida. Varios de los artistas que le nombré están, justamente, exponiendo sus obras en la muestra "Eating the Universe" que se inauguró ayer en la Kunsthalle de Düsseldorf, Alemania. 
La exposición "Eating the Universe"  muestra la gran atracción permanente que tienen muchos artistas por el tema de los alimentos como un enlace fundamental del arte y la vida, y su gran relevancia en el contexto de cuestiones tales como la abundancia y el hambre, el anti-consumismo y los movimientos anti-globalización, la dietética moderna y programas de cocina, modas de salud y comida rápida.

Esta exposición examina los orígenes y el desarrollo de Eat art, nombre acuñado por Daniel Spoerri para designar el arte creado con la participación de alimentos. Recordemos que este artista suizo fundó la Galería de Arte de Comer en 1970 en Düsseldorf, motivando a numerosos artistas a producir obras trabajadas especialmente con alimentos.

Desde la década de 1990 se ha observado un mayor uso de alimentos como material artístico en los cuadros, esculturas, instalaciones, performances y acciones alrededor del mundo. En el contexto de la actual situación, algunas obras reflejan los patrones de conducta de nuestra opulenta sociedad, la cultura de consumo y la corporalidad, así como los ideales de belleza y desórdenes alimentarios, otras piezas juegan con los aspectos surreales, crípticos o grotescos de la forma de manipular los alimentos en nuestra vida cotidiana.

Entre otros, participan los artistas Sonja Alhäuser, Arman, Joseph Beuys, Paul McCarthy, César, Lili Fischer, Thomas Feuerstein, Carsten Höller, Elke Krystufek, Peter Kubelka, Gordon Matta-Clark, Antoni Miralda,  Thomas Rentmeister, Mika Rottenberg, Daniel Spoerri, Jana Sterbak, Rikrit Tiravanija, Günther Uecker y Ben Vautier.

Cai Guo-Qiang: Dibujar con pólvora



El Museo de Bellas Artes de Taipei inauguró el viernes pasado una exposición retrospectiva del artista chino Cai Guo-Qiang. Conocido mundialmente por sus dibujos de gran formato realizados con pólvora y las instalaciones de gran tamaño, Cai se convirtió en el primer artista chino en celebrar una exposición individual, I Want to Believe, en el Museo Guggenheim de Nueva York en 2008.
Hanging Out se titula esta retrospectiva, que estuvo en Beijing y Bilbao, y ha demostrado los logros y el lugar que ocupa este artista en el arte contemporáneo.
Las 35 obras expuestas, instalaciones a gran escala, dibujos de pólvora, y videos de sus proyectos de explosión, proceden de museos de fama internacional y colecciones particulares, e incluyen tres obras creadas especialmente para esta muestra en Taipei: Estrecho, Día y noche y Taroko Gorge que contienen su visión histórica y cósmica frente a los problemas de la existencia que enfrenta el hombre en la sociedad contemporánea.
Cai estudia muy bien las relaciones de sus instalaciones con el espacio arquitectónico y posiciona sus obras en nuevos contextos más desafiantes, lo que dinamiza el espacio del museo de manera inusual.

Esta exposición pone de relieve los antecedentes del artista y el desarrollo de su proceso creativo, y su insistencia en los métodos de hacer un arte más accesible para el público en general. La exposición también pretende examinar el espíritu de la época de su arte, la crítica socio-económica, la geopolítica, y su reflexión sobre la estética y la filosofía orientales.
Mira en este video al artista realizando unos de sus inmensos dibujos con pólvora.
En este otro video Cai explica su gran instalación en el Museo Guggenheim de Bilbao (con subtítulos en español).

Soñar en Grande



El escultor catalán Jaume Plensa recibió ayer  en Londres el Premio Marsh 2009 para Escultura Pública, por su destacado trabajo Dream  emplazado en  St. Helens, Inglaterra.  
La escultura Sueño, de cuatro toneladas y 20 metros de altura, está formada por la cabeza de un joven con los ojos cerrados en un estado aparente de sueño, que pretende según el artista, “celebrar la vida y la experiencia humana”. La pieza tiene un acabado muy blanco, casi luminiscente, en marcado contraste con el negro del carbón de la antigua mina donde fue instalada.

La espectacular escultura está situada cerca de la salida 7 de la M62, a medio camino entre Manchester y Liverpool, donde es muy visible para los 100.000 vehículos que pasan cada día.
Del famoso artista Jaume Plensa recordamos las obras Fuente de la Corona (2004) en Chicago y la Respiración, la cúpula de cristal iluminado de la BBC Broadcasting House en Londres.

Dibujar en relieve sobre la piel



Ariana Russell Page es una joven artista norteamericana que dibuja sobre toda la extensión de su piel. La artista ha convertido su cuerpo en un gran lienzo, plasmando diseños intrincados y palabras en las piernas, los brazos y el torso.
En vez de un pincel, ella a usa una aguja de tejer para grabar sus obras de arte, aprovechando que padece una enfermedad llamada dermatographia, consistente en que su piel se hincha rápidamente con sólo un leve rasguño. Esto le permite dibujar diseños y palabras sin dolor en su piel, los que luego fotografía.
Russell dijo: "Yo uso mi piel como un lienzo. La gente piensa que es bastante raro. Creen que es bello o interesante, o piensan que es bastante desagradable. Algunas personas no pueden soportar la idea del dolor, aunque yo les digo que no me duele. Sólo puedo sentir una sensación un poco caliente en mi piel.
La piel de Ariana Page Russell es muy sensible y ella se sonroja con facilidad. "Creo que es divertido ser capaz de disponer de mi propio cuerpo. Me gusta." 
La dermatographia es una condición en la que el sistema inmunológico presenta hipersensibilidad a través de la piel, liberando excesivas cantidades de histamina; lo que produce la dilatación de los capilares y la aparición de ronchas cuando la superficie de la piel es ligeramente rayada (la reacción dura 30 minutos). 

Ariana se graduó de la Universidad de Washington con una maestría en Fotografía en el año 2005 y ha tenido una exposición individual en 2009 con Magnan Projects, New York.

Esta obra se asemeja mucho a la que realizó la artista cartagenera Martha Amorocho hace algunos años y que tuvimos oportunidad de ver en el Museo de Arte Moderno de Barranquilla. Martha se hacía dibujos sobre la piel utilizando filosas agujas, pero a ella sí le producían un gran dolor y su obra presentaba un profundo significado antropológico-cultural.
Para escuchar a Ariana Page Russell explicar su proceso da un click aquí.

Libros que verdaderamente iluminan



109 libros de luz es una instalación del artista coreano Airan Kang que se exhibe actualmente en la Bryce Wolkowitz Gallery de Nueva York. Los libros presentan un especial sistema de iluminación que cambia el color permanentemente creando una ambientación caleidoscópica. Los libros que están hechos de fibra óptica y cubiertos en plástico, aunque no contienen ningún texto real, sirven como representaciones físicas de los poetas y filósofos que han influido en la formación de Kang.
Airan Kang nació en Seúl, Corea, donde obtuvo su BFA en la Universidad Ewha Womans, y más tarde obtuvo su Maestría en la Universidad de Tama en Tokio. Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones como Digital Utopía en la Galería de Corea en Nueva York, Vent d'Est de la Sorbona en París, 10 años después, en el Museo de Arte Insa, la Segunda Bienal Internacional de Media Art de Seúl en el Museo de Arte de Seúl.
El trabajo de Kang viajó en una exposición individual a Seúl, Nueva York, Tokio, Kioto, Moscú, París y Los Ángeles. Kang es un erudito visitante en la Universidad de Nueva York en el Departamento de Arte, un residente en el Estudio Internacional y Curatorial Program en Nueva York, y profesor en la Universidad Ewha Womans en Seúl.
Mira en este video el cambio de color permanente de la instalación.

Un Warhol se vendió en más de 43,7 millones de dólares



Anoche en Nueva York, en una subasta en Sotheby’s, fue vendida por más de 43,7 millones de dólares la obra “200 One Dollar Bills” del artista norteamericano  Andy Warhol (1928-1987).
Se trata de la obra maestra de la primera serie de serigrafías que Warhol realizó en marzo y abril de 1962, comparable a “Orange Marilyn” (1964) y a “Green Car Crash (Green Burning Car)” (1963), vendidas en 1997 y 2007, respectivamente.
Además, y según apunta la propia casa de subastas en su catálogo, la obra, que fue adjudicada a un precio de martillo de 43.762.500 dólares, supone el anuncio del nacimiento de la importante contribución de Warhol a la historia del arte a través de su técnica de serigrafía en reposo como una pieza clave en la revolución del “Pop Art”.
La importancia de “200 billetes de un dólar”, (de 203,8 × 234,3 cm),  radica en que supuso el inicio de la ejecución de series como otra piedra angular presente en gran parte de las obras de Warhol y que, según Sotheby’s completó esa revolución que él hizo del arte estadounidense con la representación de objetos cotidianos como las famosas latas de sopa Campbell, los cómics y anuncios de revistas.
Aunque es un altísimo precio para la firma de este artista, sin embargo todavía un Warhol no alcanza a posicionarse entre los 10 cuadros más costosos del mundo.
Para ver instantes álgidos de la subasta da un click aquí. (El audio del video está en alemán)

Las esculturas monumentales de Katharina Fritsch



Hoy se inaugura una exposición individual de la gran artista alemana Katharina Fritsch (* 1956), en el Deichtorhallen en Hamburgo.
La mayoría de las esculturas de Katharina Fritsch son representaciones de la vida de los seres humanos, animales u objetos simbólicos que se producen de forma simultánea, con un colorido intenso lo que le da una presencia espectacular y a la vez una apariencia irreal.
Trece conjuntos de obras de gran tamaño proporcionan una visión general de su creatividad actual en la presente década. Sus imágenes monumentales nos recuerdan trabajos suyos bien conocidos de los años 1980-90, como “el elefante verde” de 1987, la "Cena" de 1988, "Marco de mercancías con Madonna" de 1989.

Katharina Fritsch y sus obras representan un sello distintivo, marcado por un humor ligado al mundo de la vida cotidiana, los mitos y el consumo, con símbolos universales y los recuerdos que aparecen en las serigrafías y esculturas. Muchas de sus obras tratan de los aspectos más oscuros de nuestra conciencia colectiva, el miedo cargado de fantasías y mitos, plasmado  por Fritsch en objetos e imágenes. En años recientes, muchas de sus obras bidimensionales se ocupan de los estereotipos cotidianos típicos de recuerdos de la infancia.
Como uno de los principales artistas de Alemania, Katharina Fritsch ha representado a su país en la Bienal de Venecia de 2001 y su trabajo se ha expuesto en la Tate Gallery de Londres. La exposición estará abierta al público hasta el 7 de febrero de 2010.
Para conocer más obras de esta artista da un click aquí.

Las LED instalaciones de Jenny Holzer



La Fundación Beyeler en Riehen cerca de Basilea, Suiza, inauguró el pasado sábado una importante muestra de las obras recientes de la famosa artista Jenny Holzer. Algunos de los trabajos presentados nunca antes se habían mostrado en Europa. Son muy famosas las LED instalaciones de Jenny Holzer, donde combina mediante efectos visuales textos poéticos con sentencia de crítica política y social.
La presentación de los trabajos de Jenny Holzer no se limita al espacio del Museo. El espectáculo se extiende al espacio público. La artista proyectará sus obras lumínicas sobre fachadas de edificios significativos y en diversos sitios en Basilea y Zúrich, las que sólo podrán ser contempladas en horas nocturnas.

Jenny Holzer es considerada como una de las artistas contemporáneas más reconocidas, especialmente por el uso de palabras y conceptos en el espacio público. Sorprendió al mundo artístico al mostrar en 1982 sus declaraciones y aforismos (truisms) en una de las gigantescas pantallas de Times Square, Nueva York.
Con la palabra escrita, Holzer tiene como objetivo romper las estructuras sociales y políticas. En su uso del lenguaje como arte visual, Holzer ha creado una forma única de expresión. A lo largo de su carrera, la forma de presentación ha cambiado con las posibilidades tecnológicas, desde carteles, camisetas y los bancos del parque, a las vallas electrónicas y señales LED mientras que aún permanecen en la esfera pública.

La exposición ha sido organizada en estrecha cooperación con la artista y la MCA, Chicago y curada por Elizabeth Smith y Philippe Büttner. La exposición en la Fundación Beyeler se exhibirá hasta el 24 de enero de 2010.
Da un click aquí para ver el video de la inauguración y varios de los trabajos presentados.
Para conocer más de esta importante artista entra a su página aquí