domingo, 31 de octubre de 2010

La intersubjetividad genera el arte hoy


El reconocido artista brasileño Ernesto Neto (Rio de Janeiro, 1964) tiene una muestra abierta hasta el 2 de enero de 2011 en el Astrup Fearnley Museum of Modern Art de Noruega. La exposición titulada Intimidad presenta un conjunto selecto de trabajos de los últimos diez años. El objetivo ha sido poner de relieve la diversidad de las ideas artísticas, las innovaciones y propuestas plásticas dentro de su obra.
El público podrá experimentar la sensualidad y la belleza de sus ingrávidas esculturas (Desiring a Horizon of Gravity, 2005, While Nothing Happens, 2008 y Variation on Color Seed Space Time Love, 2009,  así como esculturas arquitectónicas como Stone Lips, Pepper Tits, Clove Love, Fog Frog, 2008. Los asistentes están invitados a participar y ser envueltos por otras instalaciones que son totalmente táctiles y penetrables, así como piezas de Neto ubicadas en el piso, que invitan a los espectadores a caminar, sentarse o descansar literalmente sobre las obras.
En un primer golpe de vista el conjunto de trabajos de Neto puede parecer abstracto, pero sus significados son más profundos y más complejos de lo que la superficie puede sugerir. No sólo existe una interrelación entre el trabajo, el contexto y el espectador de una manera sensorial, sino con una fuerza física también.
Es así como, la obra de Neto se aprecia mejor al inducir a un estado complejo de intersubjetividad entre las formas y los materiales, como la formulación de un "paisaje" (Densidade e Buracos de Minhoca, que se estrenó en la Bienal de Liverpool en 1999) o un "animal" (O Bicho, de la Bienal de Venecia, 2001). Más precisamente, los materiales como el azúcar, el curry, pimienta, azafrán y otras especias, y el vidrio, llevan a fuertes connotaciones socio-culturales: el colonialismo, la expoliación o la fragilidad de los sistemas políticos.
Visto en perspectiva, con la reciente historia política de Brasil como el fondo, ciertamente no hay inocencia o azar en las formas y los materiales elegidos por el artista. Y muchas de las obras tienen ciertos elementos formales, tales como los "pies" de las esculturas llenas de azúcar o canela que a la vez están sexualmente cargadas.
Ernesto Neto está anclado firmemente en una rica tradición modernista europea y brasileña. El artista ha destacado la alegría de los surrealistas como Joan Miró, que es sumamente evidente, como es la sensualidad de las líneas de Jean Arp y las formas orgánicas y la suspensión y movilidad de Alexander Calder. Incluso, la elección de los materiales comunes -como nylon y espuma de polietileno- revela la toma de posesión de Neto por un patrimonio claramente modernista.

Las influencias abarcan también los pioneros brasileños como Oscar Niemeyer, uno de los grandes arquitectos modernistas, y más tarde los artistas neo-concretos, Hélio Oiticica y Lygia Clark. Más recientemente, sin embargo, se podría decir que Neto es un neo-modernista en la misma línea como Olafur Eliasson o Tomás Saraceno, cada uno motivado por un insaciable deseo de crear nuevas visiones, experiencias y relatos de nuestro mundo.

Ernesto Neto on artistic inspiration from Astrup Fearnley Museum on Vimeo.

jueves, 28 de octubre de 2010

El video lo atraviesa todo

No solo el video lo cubrió todo: el video lo atravesó todo y el Museo se rindió, más que al “Arte”, a la visualidad contemporánea. El jueves pasado El Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York y YouTube, en colaboración con HP e Intel, anunciaron los 25 ganadores de entre los 23,358 vídeos online enviados desde 91 países a YouTube Play: A Biennial of Creative Video. El fallo fue anunciado en el Museo Guggenheim esa noche en medio de un espectacular evento tecnológico-visual que pudo verse en vivo y a nivel global en youtube.com/play.
Como lo hemos observado en los distintos escenarios artísticos, la modalidad del video ha sido protagonista de la escena global del arte en las dos últimas décadas. Es un hecho irrefutable: la imagen en movimiento se ha integrado plenamente a la práctica artística contemporánea.
La presidenta del Jurado, Nancy Spector, Subdirectora y Curator Jefe de la Solomon R. Guggenheim Foundation, afirmaba que el resultado final constituye “una muestra de 25 de los trabajos en vídeo más singulares e innovadores creados y difundidos online en los últimos dos años.”
Un Jurado multidisciplinar seleccionó los 25 vídeos que son una muestra de la variedad de géneros dentro de la creación en vídeo online, incluyendo los narrativos, experimentales, mashups, animación, gráficos stop-motion, remakes, vídeos musicales y cortos narrativos.En la composición de la lista ganadora encontramos artistas procedentes de 14 países: Australia (1), Brasil (1), Canadá (2), Chile (1), República Checa (1), Dinamarca (1), Gran Bretaña (2), Francia (1), Países Bajos (1), Japón (1), Corea del Sur (1), Irlanda del Norte (1), Sudáfrica (2) y EE.UU. (9).
De los ganadores me gustaron algunos como Synesthesia, I Met the Walrus, Moonwalk y Gardyn.  El video Post Newtonianism (War Footage/Call of Duty 4 Modern Warfare Footage) me pareció aterrador y una muy buena acción política.
¿Cuáles son los más interesantes para ti? Averígualo: Te dejo con la lista de los 25 videos seleccionados (en orden alfabético):
1. Auspice
Bryce Kretschmann, n. 1974 en California, EE.UU., reside en Newark, NJ, EE.UU.
http://www.youtube.com/watch?v=ijv7hYVxMdY
2. Bear untitled - D.O. Edit
Christen Bach, n. 1978 en Kolding, Dinamarca, reside en Berlín.
http://www.youtube.com/watch?v=cdBZohX4FnM
3. Bathtub IV
Keith Loutit, n. 1973 en Melbourne, Australia, reside en Coogee, Australia.
http://www.youtube.com/watch?v=Us6kDalkqgM&feature=player_embedded
4. Birds on the Wires
Jarbas Agnelli, n. 1963 en Sao Paulo, Brasil, reside en Sao Paulo.
http://www.youtube.com/watch?v=LoM4ZZJ2UrM
5. Birdy Nam Nam ‘The Parachute Ending’
Steve Scott (Director), n. 1970 en Plymouth, Reino Unido, reside en Londres.
Will Sweeney (Director de arte e ilustración) n.1973 en Londres, reside en Londres.
http://www.youtube.com/watch?v=lCHM1do5Vqw
6. Deuce
Monica Cook, n. 1974 en Dalton, Georgia, EE.UU., reside en Brooklyn, EE.UU.
http://www.youtube.com/watch?v=K-6pcZoSL0s
7. Die Antwoord – Zef Side
Sean Metelerkamp, n. 1984 en Knysna, Sudáfrica, reside en Ciudad del Cabo, Sudáfrica.
http://www.youtube.com/watch?v=Q77YBmtd2Rw
8. Gardyn
Pogo (Nick Bertke), n. 1988 en Capetown, Sudáfrica, reside en Perth, Australia.
http://www.youtube.com/watch?v=cBN-CAhOYQ0
9. I Met the Walrus
Josh Raskin (Director y animador), n. 1980 en Toronto, Canadá, reside en Toronto.
James Braithwaite (Dibujos), n. 1978 en Edmonton, Canadá, reside en Montreal.
Alex Kurina (Ilustración digital), n. 1981 en Calgary, Alberta, Canadá, reside en Toronto.
Jerry Levitan (Historia y voz), n. 1954 en Toronto, Canadá, reside en Toronto.
http://www.youtube.com/watch?v=jmR0V6s3NKk
10. Ladybirds' Requiem
Akino Kondoh, n. 1980 en la Prefectura de Chiba, Japón, reside en Nueva York.
http://www.youtube.com/watch?v=tFqAc9kRP8g
11. Le Syndrome du Timide
Pierre-Axel Vuillaume-Prézeau, n. 1986 en Nalliers (Vendée), Francia, reside en París.
http://www.youtube.com/watch?v=e2fqFlNx8CI
12. Luis
Joaquín Cociña, n. 1980 en Concepción, Chile, reside en Ámsterdam.
Cristóbal León, n. 1980 en Santiago, Chile, reside en Ámsterdam.
Niles Atallah, n. 1978 en Sacramento, California, EE.UU., reside en Santiago, Chile.
http://www.youtube.com/watch?v=veMBIWv0ews
13. Man with a Movie Camera: The Global Remake
Perry Bard, n. 1944 en Quebec, Canadá, reside en Nueva York, EE.UU.
http://www.youtube.com/watch?v=uEykp9PsDkw
14. Moonwalk
Martin Kohout, n. 1984 en Praga, reside en Berlín.
http://www.youtube.com/watch?v=0DVN4m41QCE
15. Noteboek
Evelien Lohbeck, n. 1983 en Róterdam, reside en Tilburgo, Países Bajos.
http://www.youtube.com/watch?v=tP-reW1eLYE
16. Post Newtonianism (War Footage/Call of Duty 4 Modern Warfare Footage)
Josh Bricker, n. 1980 en Torrance, CA, EE.UU., reside en Nueva York.
http://www.youtube.com/watch?v=-cto649nkjY
17. Scenic Jogging
Jillian Mayer, n. 1984 en Florida, EE.UU., reside en Florida.
http://www.youtube.com/watch?v=uMq9Th3NgGk
18. Seaweed
Remi Weekes y Luke White, ambos n. 1987 en Londres, residen en Londres.
http://www.youtube.com/watch?v=YTNfSluaUzs
19. Strindberg and Helium at the Beach
Eun-Ha Paek (Director, animador y artista), n. 1974 en Seúl, Corea del Sur, reside en Nueva York.
Erin Perkins (escritor y voz de Helium), n. 1977 en Duluth, MN, EE.UU., reside en Oakland, CA, EE.UU.
James Bewley (voz de Strindberg), n. 1975 en West Chester, PA, EE.UU., reside en Nueva York, EE.UU.
http://www.youtube.com/watch?v=Lw8ctJTF1ZY
20. Synesthesia
Terri Timely (Corey Creasey and Ian Kibbey)
Corey Creasey: n. 1979 en Long Beach, CA, EE.UU., reside en Oakland, EE.UU.
Ian Kibbey: n. 1980 en Berkeley CA, EE.UU., reside en Oakland, EE.UU.
http://www.youtube.com/watch?v=qZEL31Mq2OA
21. Taxi III Stand Up and Cry Like a Man
Lisa Byrne, n. 1973 en Town – Newry, Irlanda del Norte, reside en Londres.
http://www.youtube.com/watch?v=vOPjbAWwRdw
22. The Huber Experiments
Erik Huber, n. 1984 en Atlanta, EE.UU., reside en Atlanta.
Matthew Huber, n. 1973 en Atlanta, EE.UU., reside en Nueva York.
http://www.youtube.com/watch?v=xf5QQ3UADRQ
23. This Aborted Earth: The Quest Begins
Michael Banowetz, n. 1955 en Wichita, KS, EE.UU., reside en Denver, CO, EE.UU.
Noah Sodano, n. 1981 en Denver, CO, EE.UU., reside en Denver, CO, EE.UU.
http://www.youtube.com/watch?v=G9geI52zIxI
24. Wonderland Mafia
Lindsay Scoggins, n. 1985 en Gainesville Florida, EE.UU., reside en Tampa, EE.UU.
http://www.youtube.com/watch?v=mkIoJZdKIAE
25. WORDS
Everynone (Will Hoffman, Daniel Mercadante y Julius Metoyer III)
Will Hoffman: n. 1985 en Staten Island, Nueva York, EE.UU., reside en Nueva York.
Daniel Mercadante: n. 1984 en Farmington, Connecticut, EE.UU., reside en Nueva York.
Julius Metoyer III: n. 1985 en Los Ángeles, EE.UU., reside en Los Ángeles.
http://www.youtube.com/watch?v=FQrGBZDGjl4

domingo, 24 de octubre de 2010

La pintura y el símbolo como recurrencia

Algunos lo llaman el “niño prodigio" del arte contemporáneo de Latinoamérica, porque su primera exposición individual tuvo lugar en 1974 en la Galería Lirolay en Buenos Aires, cuando no llegaba a los 14 años de edad. En 1985 representó a Argentina en la XVIII Bienal de São Paulo y a los 30 años ya había expuesto individualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Al año siguiente ya está en Documenta IX de Kassel.
Es Guillermo Kuitca (Buenos Aires, 1961), el artista argentino que el pasado viernes inauguró su exposición en el Museo Hirshhorn de la ciudad de Washington. Por más de 35 años este creador ha desarrollado una gran producción relacionada con su principal medio: la pintura. En su muestra Guillermo Kuitca: Everything, Paintings and Works on Paper, 1980–2008 presenta más de 45 lienzos y 25 obras sobre papel.
Guillermo Kuitca: Everything, Paintings and Works on Paper, 1980–2008 incluye piezas de todas las series más importantes de la artista, así como una amplia gama de sus obras en papel, que han desempeñado un rol importante en la evolución de su pintura. Es el primer estudio exhaustivo de la obra del artista en los Estados Unidos en más de diez años, y es co-organizado por el Hirshhorn, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York y el Museo de Arte de Miami.
La obra de Kuitca se caracteriza por imágenes recurrentes, sobre todo los sistemas espaciales y cartografía como mapas de asientos, planos arquitectónicos, mapas de carreteras y secuencias numéricas, así como decorados de teatro, camas y carruseles de equipaje de aeropuertos. A través de estos Kuitca explora los temas universales de la migración y la desaparición, la intersección de espacios públicos y privados y la importancia de la memoria.
Se pueden ver lienzos de la década de 1980 que tienen títulos inspirados en obras de teatro, la literatura y la música popular. Obras como El mar dulce y Siete canciones Últimas, ambas concluidas en 1986, son una reminiscencia de esa etapa con pequeñas figuras representando dramas aparentemente misteriosos e inquietantes.
En las obras de principios de 1990, con la ausencia de figuras, el artista explora la arquitectura y la geografía, así como los espacios domésticos y comunales. Trabaja con el plano del apartamento y con otras representaciones de los espacios de las instituciones públicas, mapas de la ciudad, de carreteras y topográficos. La planta, normalmente se considera como una representación objetiva de un lugar, y el mapa, aparente herramienta de navegación, se convierten, en manos de Kuitca, en vehículos de reflexiones poéticas sobre el lugar y el no-lugar, la memoria y la pérdida, la migración y el desplazamiento.
Y en su trabajos más recientes, como la serie Desenlace (2006-07), la pintura de Kuitca navega (o naufraga?) en francas referencias a la historia de la abstracción, del cubismo picassiano a los cortes de Fontana y del desnudo duchampiano a la selva de Lam.
Es muy reconocida su serie de las 20 camas en las que la tela del colchón son mapas de distintas regiones del mundo. La obra, creada en el 1992, fue adquirida por la Tate de Londres, Inglaterra. Hay  “lugares completamente privados donde la cama es el lugar del sueño, del sexo, el lugar del nacer, del morir. En fin, hay experiencias como muy importantes que, de algún modo, la cama es el escenario de gran parte de la experiencia humana", puntualiza el artista.

viernes, 22 de octubre de 2010

Imposible separar el arte de la política

En una nota pasada reseñé la 29 Bienal de Sao Paulo y había prometido presentarles la obra de algunos artistas. Como ya sabemos, el concepto de la Bienal de Sao Paulo de este año está basado en la noción de que es imposible separar el arte de la política. Dicen los curadores Moacir Dos Anjos y Agnaldo Farias que el arte, a través de sus propios medios, es "capaz de bloquear las coordenadas sensoriales a través de las que entendemos y habitamos el mundo, introduciendo temas y respuestas que no cabían previamente, modificando y ampliándolo." El arte debe enfocarse, entonces, como un área de conocimiento que nos podría enseñar algo del mundo y podría cambiar la forma en la que lo vemos.
En consonancia, el título de la Bienal "Hay siempre un vaso de mar para un hombre navegar" permite visualizar las intenciones de los curadores, reafirmando la dimensión utópica del arte. En esa línea de pensamiento se ubica la producción de los siguientes artistas:
Andrew Esiebo (Lagos, Nigeria, 1978) realiza proyectos fotográficos que presentan referencias estéticas del cine de ficción contemporánea. El establecimiento de la atmósfera, las paletas de colores y puntos de vista marcados y saturados y la creación de composiciones hacen referencia a las imágenes de cine y a veces a la publicidad. En Dios está vivo, Esiebo ‘documenta’ la dinámica de los diversos campamentos religiosos situados a lo largo de la carretera Lagos-Ibadan, en Nigeria, donde la masa de los fieles se reúne para la celebración del Espíritu Santo. El artista examina los códigos y los excesos de los rituales practicados, así como las estrategias de negocios basados en estas reuniones. En los cultos nocturnos pentecostales, los fieles creen que para encontrar la solución a sus problemas espirituales y sociales, en la Iglesia Cristiana de Dios, deben canjear por alabanza, la oración y el trance, lo que constituye al mismo tiempo una oportunidad para promover las finanzas de la iglesia, a partir de ofrecer ofrendas directas u otros compromisos monetarios allí transados.
El graffiti en Sao Paulo es una manifestación visual que existe incrustada en las prácticas e imágenes creadas en las paredes y edificios, una visión del mundo que no se ajusta a los acuerdos que rigen y limitan la vida urbana. El graffiti habla de algo que de otro modo no sería visto. Debido a que es considerado por sus practicantes, como una acción tanto de arte como de política, incluir graffitis en el espacio institucional de la Bienal como una simple gráfica, imitando su expresión de las calles, le privaría de su originalidad y fuerza transgresora, por lo qué se muestra en esta exposición a través de fotografías, videos y colecciones de etiquetas. Estas estrategias de documentación no se confunden con el graffiti en sí, ya que este sólo existe como tal en el área urbana de la controversia, sin la cual no se podría comprender la compleja inscripción física y simbólica de los graffitis en Sao Paulo.
Alfredo Jaar (Santiago, Chile, 1956) en Los ojos de Emerita Gutete analiza la relación entre el trauma social, como la guerra, el genocidio y la hambruna, y qué estrategias se pueden adoptar para representarlos. El artista denuncia los mecanismos de información mundial para documentar estas tragedias y como se diseminan en todo el mundo, reclamando en sus obras en una discusión sobre la ética y la política de las imágenes. En una visita a Ruanda después del genocidio de 1994, Alfredo Jaar fue a la iglesia Ntarama, cerca de la capital, Kigali, donde cuatrocientas personas de la minoría tutsi, hombres, mujeres y niños se refugiaron y fueron emboscados y masacrados. Durante su investigación para el Proyecto de Rwanda, el artista se reunió con Gutete Emerita, una mujer que fue testigo de la masacre en la que perdió a su marido y sus dos hijos, y en cuyos ojos se grabó para siempre el evento. En Los ojos de Emerita Gutete Alfredo Jaar apiló de un millón de diapositivas (el número aproximado de víctimas de Ruanda en el año 2000) con el marco de su mirada en una mesa de luz. El documento se centra en el dolor de sus ojos marcados de sobreviviente, en lugar del sensacionalismo de las imágenes de horror y violencia que publican los medios.
El trabajo de Chen Chieh-jen (Taoyuan, Taiwan, 1960), encarna la necesidad de la resistencia a la amnesia de la sociedad de consumo. Su obra es un comentario sobre la historia de Taiwan, centrándose en cuestiones como el trabajo, el aislamiento, la exclusión y la migración. Durante la Guerra Fría, a pesar de la ley marcial que se ha desarrollado después de una sucesión de colonialismo, Taiwán se convirtió en uno de los mayores centros de fabricación en el mundo. La democratización del país coincidió con el cambio en la red mundial industrial en busca de mano de obra barata. Las fábricas localizadas ahí se cerraron y despidieron a sus trabajadores. En su película Factory toma la memoria del trauma de una fábrica para los que la vivieron. En tomas largas, lentas y silenciosas se registra el retorno de un grupo de ex trabajadores del sector textil a su fábrica de Lien fu. 
Gil Vicente (Recife, Brasil, 1958) refleja en sus dibujos una molestia ante las formas imperantes de la representación política. Refleja una profunda desilusión sobre la posibilidad del cambio prometido por líderes formalmente establecidos y denuncia el agotamiento que, en muchas ocasiones, ha llevado a la confrontación violenta. En su obra, Gil Vicente no favorece la coyuntura entre arte y delincuencia, sino más bien la sustitución de la delincuencia por un acto de creación de una imagen explícita. En Enemigos el artista asume, en los dibujos realistas hecho en carboncillo sobre papel en gran formato, el papel del asesino de los líderes políticos que, trabajando en diferentes áreas geográficas, son portadores de diversos puntos de vista, cuando no conflictivos en el mundo. Gil Vicente muestra el momento inmediatamente anterior a aquel en el que "mata" con un cuchillo o una pistola a George W. Bush, el presidente Lula, Fernando Henrique Cardoso, el Papa Benedicto XVI, la reina Isabel, entre otros. El amplio espectro de orientación ideológica de los retratados (ajusticiados) sugiere que lo que está en juego no es tanto una protesta por causas específicas, sino más bien un repudio simbólico por cualquier forma de ejercicio del poder institucionalizado.
Kimathi Donkor (Bournemouth, Inglaterra, 1965) se destaca por su gran producción de pinturas figurativas, aunque también trabaja con la fotografía, el diseño y la curaduría. Mediante el uso de una paleta de colores cálidos y las asociaciones frecuentes que hace con la historia del arte, el artista trata con cuestiones políticas y sociales, tales como, la desigualdad racial y la explotación de las relaciones de poder, a menudo basados en hechos y cifras real. La pintura Johnny Was Born aloft by Joy and Stephen representa la muerte del electricista brasileño Jean Charles de Menezes en julio de 2005, cuando fue baleado varias veces a quemarropa por Scotland Yard al ser confundido con un terrorista entrando al Metro de Londres, la ciudad donde vivía. El caso provocó una gran atención internacional y, a pesar de ser considerado como uno de los mayores errores jamás cometidos por la policía británica, terminó en absoluta impunidad.